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Los mejores discos de Smooth Jazz ( soul jazz, jazz fusión, funk, pop)
Sé lo que estás pensando, así que déjame detenerte ahí mismo.
Primero, reconozcamos su valentía al intentar incluso leer acerca de uno de los subgéneros más difamados y ridiculizados de la música al norte del yuggalocore. Eres excepcionalmente valiente por dirigirte por este camino aparentemente prohibitivo pavimentado con el fétido esputo de las válvulas de saliva de Dave Koz. Valiente…. y guapo. Vaya, estás guapo o guapo, si eso es lo que prefieres. ¿Qué te parece «toothsome»? ¿La gente todavía dice eso? ¿Alguna vez lo hicieron?
De todos modos, ahora que te he dado suficiente mantequilla, es hora de que te vueles la cabeza. Porque como tantos mitos musicales omnipresentes, incluyendo el de Yoko Ono rompiendo malévolamente a los Beatles o el de la víctima ahogada detrás del angustioso éxito de Phil Collins «In The Air Tonight», la inherente atrocidad que se atribuye al jazz suave es demasiado mentira, otra leyenda urbana lo dijo demasiadas veces a través de labios equivocados.
Cualquiera que sea tu exposición a esta música, ya sea a través del amor obsesivo de tus padres por Kenny G o esa vez que te quedaste atrapado en un ascensor durante siete horas, ahora es un buen momento para crear nuevos recuerdos positivos. Directamente de la misma escena de fusión que produjo discos ahora icónicos como Bitches Brew de Miles Davis y Head Hunters de Herbie Hancock, muchos de los artistas que fueron pioneros en este relajante y sensual vástago llegaron a él con toda naturalidad. Explora los sonidos del alma de los años 70 durante el tiempo suficiente y tropezarás en sus esquinas más jazzier, expresadas en un número de las tendencias escindidas de este último género durante la década.
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A partir de mediados de la década de 1970, las emisoras de radio estadounidenses reconocieron el atractivo más amplio de ciertos discos de fusión y comenzaron a experimentar con lo que en última instancia se convertiría en el formato de jazz suave, uno que tuvo un éxito significativo en la década de 1990. (Aunque la definición de la industria ha cambiado desde entonces para reflejar un sonido de roca blanda, el término de consenso «alternativa para adultos» se utilizó a lo largo de la década de 1980 y en la primera parte de la siguiente). Las estaciones adheridas a esta plantilla tocaron una selección de cortes instrumentales y vocales, con pop sacarino e incluso new age formando parte de la mezcla. Aunque gran parte de lo que vino de este cambio tal vez pertenezca al cubo de la basura, si no al cubo de la basura, el jazz suave se convirtió en el sonido predominante de la voz orientada a los adultos contemporáneos y de fácil escucha. Esta, quizás, es la razón por la que es más probable que la gente asocie esta música con un matón sin sexo como John Tesh que, digamos, con un jazzista talentoso como George Duke.
Considere, en cambio, los otros legados del jazz suave: sus dos estados gemelos como el inconfundible sonido del encuentro nocturno y la abundante fuente de muestras para algunas de las grabaciones más importantes del hip-hop. Si lo hace, revelará una historia auditiva (perdone el juego de palabras) que conecta a los pioneros como John Klemmer y Lonnie Liston Smith con sus contemporáneos como Thundercat y Terrace Martin.
Esta lista no debe ser considerada categóricamente definitiva, sino más bien una colección de puntos de entrada para aquellos que buscan explorar este estilo de música. De hecho, con mis más sinceras disculpas a Chuck Mangione, algunos de los mayores éxitos comerciales del jazz suave no aparecen a continuación, como una cuestión de gusto personal, sino también al servicio de iluminar discos menos anunciados. Estas selecciones representan deliberadamente obras dentro de un plazo determinado, con el objetivo de mostrar la belleza detrás de un subgénero ampliamente atractivo a medida que emergía y comenzaba a florecer. Aunque las cosas pueden haber ido mal en sus décadas de historia, estos álbumes prometen sesiones de escucha satisfactorias para aquellos dispuestos a acercarse con una mente abierta y una actitud relajada.
John Klemmer: Touch (1975)
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Habiendo grabado previamente para Cadet and Impulse, el saxofonista tenor John Klemmer ya tenía mucha experiencia como líder antes de grabar este histórico disco de jazz suave. Respaldado por sólidos músicos de sesión como el bajista Chuck Domanico y el baterista John Guerin, tejió una fusión de alma en algo inconfundiblemente sedoso. Klemmer presenta un verdadero arquetipo para la forma con la pista del título. A pesar de su suavidad omnipresente, el álbum nunca entra en la banalidad. En todo momento, Klemmer experimenta abiertamente, aunque con delicadeza, para no interrumpir el proceso, soltando a «Free Fall Lover» sin perder la calma. El tecladista Dave Grusin se deleita en la Fender Rhodes con «Body Pulse» y su suntuoso solo «Sleeping Eyes». Alcanzando el número 90 en el Billboard 200, Touch se uniría a las listas de éxitos en los años inmediatamente posteriores con discos de ideas afines para ABC, incluyendo Arabesque y Lifestyle (Living & Loving).
George Benson: Breezin’ (1976)
La asociación creativa del guitarrista de jazz con el productor Creed Taylor comenzó formalmente con The Shape Of Things To Come de 1969, dando lugar posteriormente a discos en gran parte instrumentales como Bad Benson y The Other Side Of Abbey Road. Sin embargo, fue sólo después de separarse del CTI de Taylor para Warner Bros. que George Benson llegó a su mejor momento. Su versión de la canción del título de Bobby Womack demostró ser una firma radicalmente relajada, una que ejemplificó el sonido de tantos discos sin problemas por venir. Con Tommy LiPuma en los tableros, las canciones restantes en este disco seminal presentan una variedad de estados de ánimo y ritmos. La única contribución de Benson como compositor, «So This Is Love» (Así que esto es amor), se arremolina con cuerdas y teclas atrapadas en su apasionado toque de guitarra. Su magnífica interpretación de «This Masquerade» de Leon Russell le valió un Grammy, mientras que el álbum encabezó varias listas de éxitos de Billboard y finalmente obtuvo la certificación de triple-platino de la RIAA.
Dave Grusin: One Of A Kind (1977)
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Como compositor de películas como 3 Days Of The Condor y The Graduate, la mayoría de la gente expuesta a la obra de Grusin en la década de 1970 nunca aprendió su nombre. Aquellos que exploraron más allá de su pedigrí en Hollywood probablemente tropezaron con esto. Aunque sus cinco canciones aquí no son exclusivamente suaves, el pianista/teclista demuestra por qué tantos que sí operaron en el floreciente subgénero lo utilizaron en sus discos. Mientras que muchos de los practicantes de jazz que le siguieron parecían demasiado cómodos haciendo música para el tocador, Grusin sacó a relucir sentimientos complejos y fluidos sobre «Modaji» y la pensativa «Playera». Con un aire cinematográfico, «Catavento» se desliza, animado por su piano eléctrico, mientras que el flautista Dave Valentin y el percusionista Ralph MacDonald bailan al son de los ritmos paulistas. Una llamada a su banda sonora para la película, The Heart Is A Lonely Hunter, surge de la emoción mientras se pasea por el espacio.
Bob James: Touchdown (1978)
Otro ex miembro del CTI como Benson, el tecladista James ya estaba firmemente establecido para cuando dejó este disco, su segundo disco en solitario desde que hizo la transición a su propio sello de vanidad Tappan Zee con Columbia. Los fans de Andy Kaufman reconocerán instantáneamente los tonos cálidos de «Angela», que sirvió como tema de la comedia Taxi. Vinculado a la popularidad de ese programa, Touchdown pasó 29 semanas en las listas de éxitos de los 200 álbumes de Billboard, alcanzando el número 37, y oficialmente se convirtió en oro en 1980, su primer disco en hacerlo. El tema del título había sido seleccionado originalmente para los créditos del título de Taxi, y separado de esa intención inicial, su bombazo comparativo parece anunciar algo por lo que vale la pena entusiasmarse. La sección de ritmo variable cuenta en sus filas con figuras notables como Idris Muhammad y Mongo Santamaría, este último de los cuales aporta una presencia afrocubana a las «Caribbean Nights».
Earl Klugh: Heart String (1979)
Un veterano de Blue Note y antiguo colaborador de los ya mencionados Benson y James, este guitarrista de jazz contemporáneo tuvo una gran racha en los años setenta como solista y como sideman. Aunque una buena parte de su producción de los años ochenta le recordará a la música en espera por teléfono, hay algo liberador en simplemente asimilarla y apreciar la habilidad estilística de Earl Klugh en esta salida de 1979 para el legendario sello discográfico. Con músicos como el percusionista Ralph MacDonald y el tecladista de Michael Jackson Greg Phillinganes, su destreza acústica brilla sobre estos arreglos relajados. De los cortes más largos, «I’ll See You Again» se balancea como un fino funk y la «Acoustic Lady» de dos partes simplemente se desvanece. Los rastros de la música disco pimienta el animado «Pretty World», mientras que el tema más breve «Waiting For Cathy» se desplaza suavemente y sin tanto alboroto.
Tom Browne: Love Approach (1980)
La línea entre el funk/soul y el jazz suave se difuminaba constantemente en este período en particular. Comenzando con su tiempo en el esfuerzo de crossover de Sonny Fortune en 1978, Infinity Is, este trompetista tocó libremente ambos lados a su favor. Por su cuenta, Tom Browne consiguió que el sello de jazz-pop GRP Records ganara con el sencillo «Funkin’ For Jamaica», un homenaje a su Queens natal, que es un homenaje a los amantes del R&B en la pista de baile. Aquellos que se acercaron a Love Approach esperando algo así como el Parlamento, fueron tratados con números aterciopelados como «Dreams Of Lovin’ You» y «Her Silent Smile» en su lugar. El ritmo frenético y los cambios instrumentales erráticos de «Nocturno» contrastan con la tranquilidad de la más tranquila «Salida de la Luna». Con sus discos subsiguientes, Browne’s cambiaría al boogie y, como Herbie Hancock, al naciente estilo hip-hop conocido como electro.
Grover Washington, Jr.: Winelight (1980)
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A mediados y finales de la década de 1970, este saxofonista grabó varios álbumes en la parte superior de la Billboard 200, entre los que se incluyen los Top 10 con Mister Magic y Feels So Good de 1975. Una estrella prominente dentro y fuera del jazz, Grover Washington, Jr. se superó a sí mismo con Winelight. El seductor tema del título ilustra una versión más restringida de la bulliciosa fusión funk con la que se había hecho un nombre. El romance florece en cortes pegadizos como «Take Me There» y el relativamente subyugado «In The Name Of Love». Con Bill Eaton y Richard Tee en las teclas y la voz del cantante de soul Bill Withers, «Just The Two Of Us» se convirtió en una supernova, consiguiendo un Grammy a la Mejor Canción de R&B después de alcanzar el No. 2 en el Billboard Hot 100. Principalmente un asunto instrumental, aparte de su gran single, Winelight ganó el Grammy a la Mejor Interpretación de Jazz Fusion.
Joe Sample: Voices In The Rain (1981)
Después de la discoteca Crusaders 1979 Crossover Street Life y sus propios discos en solitario de finales de los 70, Rainbow Seeker y Carmel, este maestro del piano eléctrico marcó el comienzo de la nueva década con un toque de clase. Con el artista al timón de un piano de cola de concierto Steinway, el arte de la portada del álbum promete más del estilo hipnótico que había mostrado en esos lanzamientos anteriores. Funcionando en condiciones óptimas, Joe Sample manda las teclas de no menos de tres instrumentos diferentes. Todos sus siete temas son originales, con el número vocal «Burnin’ Up The Carnival» co-acreditado con su entonces frecuente colaborador Will Jennings. Aparte de esa oportunidad de boogie, Voices In The Rain favorece los momentos tranquilos, desde el esplendor a medio tiempo de «Greener Grass» hasta el surrealismo de lujo de «Shadows».
Lonnie Liston Smith: Dreams Of Tomorrow (1983)
Los Cosmic Echoes fueron uno de los mejores conjuntos de los años 70, haciendo el dúo deslumbrante Expansiones y Visiones de un Nuevo Mundo. Grabados casi una década después de los de Doctor Jazz de Bob Thiele, el líder del grupo, Lonnie Liston Smith, se unió al prometedor Marcus Miller para crear un atractivo set medio vocal y medio instrumental que se ajustaba a la calidad de producción de la década. Jazz y R&B obviamente se habían estado mezclando durante algún tiempo, sin embargo, Dreams Of Tomorrow captura su potencial pop entrelazado de una manera que establece un estándar ejemplar para la década. Con pianos acústicos y eléctricos a su disposición, Liston Smith hace sonar su corazón con «Rainbows Of Love» y el supremamente relajado «A Garden Of Peace». Conocido por su trabajo en varios clásicos de Cosmic Echoes, Donald Smith presta sus tubos a cuatro pistas de debonair.
Sade: Diamond Life (1984)
Toda la melodía, el ritmo y el asombro de los últimos 10 años de innovación e improvisación han encontrado su camino en la impresionante Diamond Life. Con el núcleo de Paul Denman, Andrew Hale y Stuart Matthewman, la cantante Helen Folasade Adu construyó una obra maestra musical de pop sensual y maduro que contrastaba con el puré de chicle que obstruía la corriente dominante. El éxito de Smash «Smooth Operator» dio una narrativa compensatoria muy necesaria, frustrando a los mujeriegos glorificados que intrínsecamente ocupaban este subgénero dominado por los hombres. Por otra parte, el grupo se lleva a la discoteca para «Hang On To Your Love», se balancea en la fiesta posterior con «Your Love Is King» y humaniza con un columpio la metronómica «Why Can’t We Live Together» de Timmy Thomas. Un éxito multiplatino en todo el mundo de habla inglesa y francesa, Diamond Life sigue siendo un clásico del crossover por una buena razón.
Última actualización el 2024-05-19 / Enlaces de afiliados / Imágenes de la API para Afiliados. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables.