los mejores discos de artistas fallecidos

Los mejores discos póstumos

El álbum póstumo puede ser muchas cosas: una colección cuidadosamente curada de gemas ocultas que no sólo conservan el legado de un artista sino que lo amplían, un esfuerzo cohesivo en el estudio grabado antes de un paso inoportuno, o un batiburrillo de tomas, demostraciones e ideas inacabadas que nunca se destinaron originalmente al consumo público.

Lamentablemente, es este último cínico enfoque de cobro lo que parece ser la norma. Los productores detrás del Michael de 2010 fueron acusados de imitar al Rey del Pop con un cantante de sesión parecido. Elvis Presley, Dean Martin y Bob Marley han sido sometidos a álbumes de dúos más allá de la tumba con socios que no están ni cerca de su misma liga. Y Montage of Heck, de Kurt Cobain, redujo la voz angustiada de una generación a un drogadicto incoherente obsesionado con hacer ruidos de pedos.

Afortunadamente, no todos los álbumes póstumos son un ejercicio flagrante de explotación del raspado de barriles. En la semana en que Prince’s Piano and a Microphone 1983 sale a la venta, aquí hay una mirada a 10 que se sitúan cómodamente entre las mejores obras de los respectivos artistas fallecidos.

Elliott Smith: From a Basement on the Hill

Al igual que con los cinco LPs que Elliott Smith editó durante su breve vida, From a Basement on the Hill es una escucha inflexible, y a veces verdaderamente desgarradora. De hecho, dadas las trágicas circunstancias que rodearon la muerte del compositor nominado al Oscar, es difícil no interpretar este lanzamiento de 2004 como una nota de suicidio de 15 pistas. Las batallas de Smith con la depresión, las drogas y la profunda duda de sí mismo son todos muy aludidos, así como su turbulenta relación con el músico y su novia Jennifer Chiba, en un registro íntimo incómodo que parece capturar perfectamente su inquietante estado emocional. Pero aunque su combinación de balada acústica austera y rock psicodélico mareado inquieta todo el tiempo, Smith demuestra que su talento para melodías dolorosamente bellas aún se mantuvo hasta el final – con las armonías felices de «Pretty (Ugly Before)» y los puntos culminantes particulares de «Twilight», dolorosamente frágiles. El primer y único álbum de Smith en romper el Top 20 de los EE.UU., From a Basement on the Hill es un disco vital por derecho propio.

Otis Redding: The Dock of the Bay

Estableciendo el modelo para gente como Jimi Hendrix y Tupac, Otis Redding lanzó casi tantos esfuerzos de estudio después de su muerte como antes. Apenas dos meses después de perder la vida en un accidente aéreo a la tierna edad de 26 años, The Dock of the Bay, de 1968, fue el primero de cinco LPs oficiales que prolongaron su carrera discográfica, y sin duda es el mejor. Aquí, estándares tan gastados como «Nobody Knows You (When You’re Down and Out)», de Jimmy Cox, y «The Glory of Love», de Billy Hill, cobran nueva vida gracias a los sublimes tonos apasionados de Redding. Mientras que el clásico de todos los tiempos «(Sittin’ On) The Dock of the Bay» -el primer título póstumo de la historia de Estados Unidos- y el conmovedor «Ole Man Trouble» mostraban que Redding era un compositor tan majestuoso como un soulman. Compuesto por singles, lados B y un poco de pistas inéditas, The Dock of the Bay puede no ser particularmente cohesivo, pero consolidó a Redding como el corazón y el alma de Stax.

Joy Division: Closer

El segundo álbum de Joy Division es mejor recordado por algunos por un tema que ni siquiera aparecía en él – lanzado unas semanas antes, el clásico indie de buena fe «Love Will Tear Us Apart» era en realidad un sencillo independiente. Sin embargo, hay mucho en Closer que coincide con la emocionante urgencia de la firma de la banda, y sólo, hit. Claro, sus nueve pistas siguen siendo incesantemente sombrías. Pero mientras que su predecesor, Unknown Pleasures, se ocupaba casi exclusivamente del rock gótico opresivo, estos nueve temas vieron a los orgullosos mancunianos experimentar más con el tipo de ritmos electrónicos propulsores y sintetizadores energéticos que definirían su posterior reinvención como New Order. Quién sabe si la banda habría seguido avanzando hacia la pista de baile si el líder con voz de barítono Ian Curtis no se hubiera quitado la vida sólo dos meses antes de que el álbum saliera a la venta. Pero Closer es el sonido de una banda totalmente en control.

Tupac Shakur: The Don Killuminati: The 7 Day Theory

El holograma de Coachella, los dúos desacertados con Elton John y Dido, las compilaciones ensambladas apresuradamente diseñadas para exprimir hasta el último centavo de su nombre. La prolífica carrera póstuma de Tupac Shakur ha tenido sus momentos más que cuestionables. Pero su primer movimiento desde más allá de la tumba fue digno de llevar uno de sus muchos apodos. Grabado bajo el disfraz de Makaveli en sólo siete días, The Don Killuminati: La Teoría de los 7 Días fue originalmente pensada para ser un lanzamiento subterráneo de lengua en lengua. Pero después de su impactante, aunque un tanto inevitable, asesinato en Las Vegas en 1996, sus 12 temas recibieron un gran impulso, lo que le llevó a convertirse en el tercer líder consecutivo de las listas de éxitos en Estados Unidos. A pesar de haber sido rechazado por los críticos de la época, su amenazador estilo de Cali-funk ha sido reevaluado merecidamente desde entonces. J. Cole y 50 Cent lo han aclamado como uno de los favoritos de todos los tiempos, mientras que los temas de la teoría de la conspiración como «Bomb First (My Second Reply)» y «Against All Odds» -por no mencionar la polémica pose de la crucifixión de la portada del álbum- sólo ayudaron a añadir a la mitología de Tupac.

The Notorious B.I.G.: Life After Death

Los archivos del Notorious B.I.G. no han sido allanados tan descaradamente como su archirrival. Sólo han salido a la luz cuatro álbumes póstumos desde que el rapero fue asesinado en un tiroteo desde un coche a la edad de 24 años, y el primero fue planeado originalmente para llegar a las estanterías cuando estaba vivo. El misterioso título Life After Death -que finalmente vio la luz del día dos semanas después del fallecimiento de Biggie- es también el último éxito de taquilla de la escena hip-hop de la Costa Este. Con una duración de 109 minutos épicos, sus 24 temas cuentan con un who’s who of mid-’90s rap heavyweights (Puff Daddy, Bone Thugs-n-Harmony, Ma$e, Lil Kim, un joven JAY-Z), docenas de muestras de soul clásicas (incluyendo múltiples guiños a Diana Ross y Al Green) y dos sencillos de monstruosos éxitos («Hypnotize», «Mo’ Money, Mo’ Problems»). Y sin embargo, gracias a esa voz en auge, al flujo melifluo y a la narración ingeniosa que inspiró a una generación, Biggie atrae toda la atención en todo momento.

J Dilla: The Shining

Un tipo muy diferente de artista de hip-hop fue asesinado en su mejor momento casi una década después cuando el pionero beatmaker J Dilla perdió la vida a causa de una enfermedad sanguínea poco común. Considerado como el productor del productor, el hombre nacido James Yancey era de tres cuartos a través de su cuarto esfuerzo en el estudio en ese momento. Pero gracias al respetuoso toque de Karriem Riggins, amiga de toda la vida, a la que se dirigió Dilla, una enferma terminal, para que la ayudara a completarla, The Shining fue finalmente liberada seis meses más tarde. Sus 12 temas, que cuentan con la presencia de colaboradores habituales de gran renombre (Busta Rhymes, D’Angelo, Dwele), ofrecen una escucha curiosa. El operador «Geek Down» muestra dos sinfonías clásicas interpretadas por la orquesta Temple City Kazoo de los años 70; «So Far to Go» es una versión vocal ampliada de la canción «Bye», originalmente destinada a una remezcla común; y más cerca «Won’t Do» ve a Dilla tomar el micrófono por primera vez en solitario. También sirve como un testamento apropiado para un hombre que cambió silenciosamente la forma del hip-hop para siempre.

Gram Parsons: Grievous Angel

A pesar de las trágicas circunstancias que rodearon su grabación – Parsons murió de una sobredosis fatal pocos días después de su finalización – Grievous Angel pasó casi desapercibido en su lanzamiento en 1974. Pero su mezcla pionera de country, folk, rock y soul, apodada por el propio hombre como «Cosmic American Music», ha alcanzado desde entonces un estatus clásico de culto. Con miembros de Elvis Presley’s Hot Band, el ex compañero de banda de Flying Burrito Brothers Bernie Leadon y su compañero de gira habitual Emmylou Harris, el set de nueve pistas a menudo suena como Parsons y sus amigos simplemente tocando en el estudio. Pero junto con el buen disfraz de «Ooh Las Vegas» y el buen y antiguo himno de bar «I Can’t Dance», Grievous Angel también puede mover las cuerdas del corazón. «Botones de latón» es un lamento conmovedor para su difunta madre, el dúo de Harris «Love Hurts» es una magnífica y emotiva portada del clásico de los Everly Brothers y el inquietante «In My Hour of Darkness» es esencialmente un elogio autoproclamado. Las comparaciones con Bob Dylan fueron bien merecidas.

Chris Bell: I Am the Cosmos

Al igual que Parsons, Chris Bell no recibió el reconocimiento que merecía en vida. El alma torturada dejó a los poderosos artistas de pop que fundó, Big Star, después de sólo un álbum (el disco número uno de 1972) por encima de los temores de que fuera eclipsado por la otra mitad de su sociedad al estilo de Lennon/McCartney, Alex Chilton (aunque desde entonces ha sido aclamado como una gran influencia por todo el mundo, desde Beck hasta Teenage Fanclub). Y su único esfuerzo en solitario fue liberado 14 años después de que un fatal accidente de coche lo viera unirse al macabro colectivo conocido como el Club 27. Sin embargo, I Am the Cosmos todavía posee más gemas que la mayoría de sus compañeros de profesión. Entre ellos no sólo se encuentran los himnos al estilo de las grandes estrellas, como «Fight at the Table» y «Get Away», sino también los desgarradores e introspectivos números como «Look Up» y «You And Your Sister», este último con una sorprendente voz invitada de Chilton, que aluden a los problemas que se esconden detrás de su indiscutible genio musical.

Roy Orbison: Mystery Girl

Roy Orbison había pasado casi dos décadas en el desierto musical antes del triple golpe de Blue Velvet de David Lynch, una nueva grabación de sus grandes éxitos y The Traveling Wilburys dándole un inesperado segundo viento. Lamentablemente, el romántico desesperado nunca tuvo la oportunidad de experimentar plenamente el renacimiento de su carrera cuando murió de un ataque al corazón pocos meses antes del lanzamiento de su álbum de regreso, Mystery Girl. Las canciones escritas por Bono y The Edge («She’s a Mystery to Me»), Elvis Costello («The Comedians») y sus compañeros de banda Tom Petty y Jeff Lynne («California Blue» y el clásico instantáneo «You Got It») ayudaron a llevar el espléndido rock’n’ roll de Orbison a finales de los 80. Mientras que los asuntos familiares de «In the Real World» (coproducida con su esposa Bárbara) y «The Only One» (coproducida por su hijo Wesley) ayudaron a mostrar ese distintivo brillo vocal en su máxima expresión. Pocos artistas terminan entregando su álbum más exitoso, tanto crítica como comercialmente, 28 años después de su debut, pero hay poco misterio en cuanto a por qué la canción de cisne de Orbison tocó tan fuerte.

Janis Joplin: Pearl

Mientras que las grabaciones anteriores de Janis Joplin habían relegado a menudo sus ásperos y potentes tonos a segundo plano, su segundo álbum los puso firmemente en el centro del escenario. Con músicos de apoyo (The Full Tilt Boogie Band) y un productor (Paul A. Rothchild) que ella había seleccionado personalmente, Pearl era sin duda el estudiante de segundo año que quería grabar. Y aunque no siempre es particularmente bonito – la tensión vocal causada por su adicción a las drogas de 200 dólares al día es demasiado audible en «Mercedes Benz,» (un tema que Joplin grabó sólo tres días antes de su fatal sobredosis en 1970) – siempre es convincente. De hecho, la reputación de Joplin se construyó sobre el tipo de presencia vocal terrenal, electrizante y cargada de emociones que siempre sonaba como si pudiera romperse en pedazos en cualquier momento. Y estos 10 temas, incluyendo el póstumo éxito «Me and Bobby McGee», lo muestran en toda su cruda gloria.

 

Última actualización el 2020-07-04 / Enlaces de afiliados / Imágenes de la API para Afiliados