Los mejores discos de Pink Floyd

Wish You Were Here

Después de una gira europea que comenzó con el lanzamiento de The Dark Side of the Moon, Pink Floyd se fue completamente de rodillas en 1974. El matrimonio de Mason está fracasando, Gilmour se está enojando con Waters y Wright está redoblando sus esfuerzos en su adicción a la cocaína. Finalmente, Waters y Gilmour desarrollaron tres canciones que se tocarán antes del concierto The Dark Side: Raving and Drooling, You Gotta Be Crazy y Shine On You Crazy Diamond. Diez minutos de duración, e incluso veinte para el último, la banda decidió hacer un nuevo álbum sobre esta base. Pronto, las dos primeras pistas fueron evacuadas (se usarían para Animal bajo los títulos Ovejas y Perros) y Shine on You fue cortada por la mitad por Waters, en contra del consejo de Gilmour. Porque este disco es sobre todo un homenaje a la vida de un hombre: Syd Barrett.

En la mente de Waters, este nuevo álbum debe rendir homenaje a Barrett, pero también denunciar los factores que lo llevaron a caer, en particular la industria de la música, de la que se burló en Welcome to the Machine and Have a Cigar. Waters también era consciente de que la cohesión dentro del grupo estaba disminuyendo; por lo tanto, empujó a Gilmour a componer Shine on You y trató de involucrar a los otros dos lo más posible, especialmente a Wright, a quien sentía en la pendiente descendente. Da algo de peso a ciertos aspectos: así, viendo que su voz no se pega a la melodía de Have a Cigar, sugiere a Gilmour que cante; este último se niega, y finalmente es Roy Harper, que estaba grabando al lado, quien se pega a ella. Y la canción del título es más sobre la personalidad dominante de Waters que sobre Barrett, que condicionó la portada del álbum – el diseñador Storm Thorgerson sintió que el álbum se trataba más de una presencia insatisfecha que de la enfermedad de Barett.

Musicalmente, el álbum se aleja más de las raíces de la banda para volverse más tecnológico. Aún usando la grabación de 16 pistas de Abbey Road, los sintetizadores son más numerosos, más opresivos – especialmente en Welcome to the Machine. En su deseo de denunciar la industria de la música, Waters puede haber olvidado que la fuerza de la banda reside en la sutileza más que en el sonido crudo. No es una coincidencia que Wish You Were Here sea un éxito, una maravilla del rock popular melancólico y amargo; tampoco es una coincidencia que las mejores partes de Shine on You Crazy Diamond sean la guitarra de Gilmour y las palabras de Waters. Le falta esa chispa, esa cosita que esperamos; el disco es sobre Barett, su sombra cuelga sobre las letras, pero está totalmente ausente de la música. Afortunadamente, el álbum es corto y todavía contiene algunas partes experimentales – como la segunda parte de Shine que concluye el álbum.

Paradójicamente, este Wish You Were Here: nota la voluntad de rendir homenaje a Barett en la letra, pero definitivamente se aleja de ella en la música. Sin embargo, el álbum sigue siendo de alta calidad, sólo por la canción del título y Shine.

Finalmente, una anécdota que marcó la grabación en junio de 1975: durante el último retoque de Shine, Waters se dio cuenta de que había un hombre detrás de Mason. Nadie lo conocía, y aunque estaba tranquilo, tenía un comportamiento extraño: tenía tics, movimientos repentinos y a veces se levantaba de repente antes de volver a sentarse. El grupo tocó toda la pieza, luego el hombre se levantó, fue a Waters y le dijo hola. Fue entonces cuando el Floyd reconoció a Syd Barrett, hinchado por las drogas. Y cuando Wright le preguntó qué pensaba de la canción, Barrett respondió que le parecía un poco anticuada para su gusto…. Después de esta reunión, Waters incluyó un pasaje de See Emily Play al final del álbum que es perfectamente reconocible.

Sí, Darth Side está tan sobrevalorado y sobreproducido hasta la muerte. Pero Wish You Were Here es súper bueno, refinado, refinado, lleno de emociones. La obra maestra qué! «.
Pffff, a la gente le gusta tanto hacer sus cosas interesantes. Siempre me ha hecho reír ver este álbum en el top 10 de la web, en medio de otras «joyas» del jazz y de la música clásica. Como «The MESSIE of Progressive Rock! E incluso rockear! ». Sí, es Pink Floyd, el grupo más sobrevalorado del planeta.

Hay que ser serio durante dos segundos: el rock progresivo está bien, pero si en realidad se trata de arrastrar una canción durante 150 años sin que ocurran muchas cosas, no vale la pena, ¿verdad? Recuerdo haber visto un día un comentario sobre YT en un vídeo de Shine On: «Después de 8 minutos, la mayoría de las canciones se detienen. Pero para Pink Floyd, la canción acaba de empezar». Sí, sí, sí, sí, pero entonces déjenme hacer una pregunta perfectamente legítima: «Si la canción no empieza en 8 minutos, ¿entonces QUÉ fueron los primeros 8 minutos servidos? ». Y entonces oigo las respuestas fusionarse: «Pero enfffiiiiin, esta canción es una obra maestra! Se necesita una larga introducción para hacerlo genial. Es CONCEPTUAL! «.
Ahha conceptual, ese es un término que se usa a menudo en el rock progresivo. Como si las piezas de más de 10 minutos tuvieran necesariamente que tener sentido. Lo siento, pero los primeros 4 minutos de Shine On o Gilmour o nosotros lanzamos unas cuantas notas de guitarra en bonitos teclados, no sólo me aburro bastante rápido, y si es emocional, lo encuentro demasiado. Sólo puedo imaginar a Gilmour con los ojos cerrados para tocar estas notas que vienen directamente de su corazón, HURK.
Bueno, tan pronto como la canción envía su riff no necesariamente muy fino, comienza sobre una base mejor. Me gusta especialmente cuando la guitarra ataca bien las notas y no sólo envía pequeñas notas aquí y allá.

Y luego los versos, FINALMENTE. Hay muchas cosas buenas en él, como los coros femeninos de fondo, es muy bonito (especialmente durante el coro). O el pasaje entre los dos versos, lleno de emociones. Luego se va el free jazz para enviar más y más emociones, como si eso no fuera suficiente.

Ohhhhhhhhhhh, pobre Syd Barrett, debe ser tan infeliz. Sí, pero a Syd Barrett no le importa una mierda. Juzgó a Shine On como una varietta y fue a Abbey Road para hacer todo tipo de estupideces. Límite, quiero decir, me gusta la mente de Syd. El tipo escribió canciones sobre gnomos y espantapájaros, era alguien que estaba feliz y no quería incluir ningún mensaje en sus composiciones. Por supuesto, el LSD le quemó un poco el cerebro, pero su genio explotó. No soy necesariamente un fan de su trabajo después, pero me gusta ese tipo de mentalidad. Y ahora empezamos a escribir un álbum para rendirle homenaje, y miles de personas llegan y se dicen a sí mismas: «¡Ohhhhhhhhh, pobre Syd! ». ¡Pero el tipo nunca pidió nada! ¡Déjalo en paz, no quiere tu compasión! Sí, me da asco.

Después de Shine On, no podíamos esperar que una canción la mitad de larga fuera una purga mucho más terrible. «WELCOME MY SON WELCOME WELCOME TO MACHINE» con la horrible voz de Gilmour, aquí hay un tema que no va muy lejos en su crítica a la compañía discográfica (vasto programa), lanzándonos toneladas y toneladas de sintetizadores anticuados y feos.
Creo que entendieron una cosa en medio de este álbum: pedir a un nuevo músico que firmara el único tema correcto en este álbum, Have a Cigar. De todos modos, firmar es rápido, no estoy seguro de que Roy Harper realmente tuviera derechos sobre esta canción. Ahha, somos amigos de Syd para asegurarnos de que reciba el dinero que se merece, pero Clare Torry, Roy Harper, ¡pueden ser vistos! Holy Pink Floyd.

Vale, ¿pero cómo es que esta canción es buena, en realidad? Bueno, si eliminamos estos sintetizadores que han envejecido horriblemente, este coro bastante estúpido, tenemos una canción bastante guay y especialmente energética (hay incluso un solo rápido y bastante largo al final), mientras que es el más corto del álbum. Y aquí está qué, no es una obra maestra pero por una vez no están haciendo demasiado después de la montaña de emociones y sintetizadores que nos enviaron en los dos tracks anteriores.

Obscured by Clouds (OST)

Su primera banda sonora, «More», me había dejado con el sabor de «can do better» en la boca. Hicieron la segunda, esta vez con un contexto de madurez artística y listos para los milagros. Y esa banda sonora es genial.

Muy pocas cosas que decir de nuevo…. las atmósferas propuestas por el grupo son propicias para los sueños, y me dan ganas de ver la película sólo para saber cómo ha sido el matrimonio con las imágenes. Los fundidos en cada pista añaden un toque atípico a los títulos. Se trata de una verdadera colaboración entre los miembros. Ya sea que se trate de la apertura llena de promesas, ya sea para las partes instrumentales o para las canciones, ya sea que se trate del final con los coros papúes (subrayado con una modestia sorprendente por parte de Pink Floyd, hay que decirlo), casi todo se eleva, a pesar de ciertas longitudes que se sienten a veces.

Esta es la última banda sonora. Pero al fin y al cabo, ¿quién no se ha imaginado clips de películas en sus otras canciones, ya sea para temas instrumentales como «The great gig in sky» o para voces como «confortablemente entumecidas»? La música de Pink Floyd está muy ligada a la imagen, pase lo que pase. Eso es lo que hace que su sonido sea aún más vivo.

The Division Bell

The Bell Division es simplemente el último y último álbum de estudio de Pink Floyd. Estamos en 1994 y además de ser la última de las excelentes discografías de la banda, es con la que empecé, fue en 1995. Yo tenía 16 años. Estaba en el instituto y una amiga me lo prestó. Lo recuerdo como si fuera ayer.
En el pasado.

A una hora (bastante) cercana, es decir, a mediados de los años 90, cuando escuchar música era todavía un trabajo «en sí mismo», una empresa de descubrimiento e intercambio de soportes materiales, es decir, el disco compacto entre amigos cuando se es adolescente, se sabía (todavía) distinguir entre lo bueno y lo malo. Quiero decir, esa es mi opinión cuando oigo a la gente. Citando a Coluche: «Cuando oyes lo que oyes, y cuando lees lo que lees, ¡tienes razón en pensar lo que piensas! Este es un buen resumen de la situación.
– «Hey Manu, ¿has escuchado lo último de Oasis, Red Hot, Rage Against, Smashing Pumpkins, Beck, Portishead, Massive Attack, etc., etc.»

Eso es lo que yo hacía en la escuela secundaria. En una especie de tendencia musical rock/grunge/metal/metal/hop hop hop hop hop. Quince años después me siguen gustando la mayoría de las bandas mencionadas anteriormente; como lo que queda del pasado y pensamos que no hicimos nada más que mierda a ese nivel. En este nivel…

A los 30 años, aquí es donde me encuentro en el zik, en un conjunto de elementos coloridos, donde el hard rock se une a la música clásica, que llama a la puerta de la casa del blues haciendo un desvío a través de la fusión psicodélica/progresiva/trash/ambiente/jazz. Este es el trato si tuviera que responder a alguien que me pregunta qué me gusta de la música. Ya que hacer un inventario me tomaría unos 3 días y otras tantas noches. ¿Cuáles son las bandas que te gustan?….Preferiría que me preguntaran qué es lo que no me gusta. Eso le quitaría los nervios de encima. Así que aquí está la cosa.

The Bell Division es uno de los discos de aire que más me gusta y por el que siento un amor casi incondicional. La guitarra de Gilmour está en el centro de atención, marca el tono y guía a los demás. Estoy pensando en Marooned, A Great Day for Freedom and Coming Back to Life.

La guitarra de David Gilmour en What Do You Want From Me sólo me da escalofríos, te lo aseguro. Ella vuela sobre las nubes en lugares y me pone en un estado muy especial. (guitarrista/autor/autor/autor/a compositor/a/intérprete, por cierto, ¡me gusta mucho!) Un gran artista.
Y luego viene High Hopes. Podemos decir lo que queramos de esta canción, es terrible y cierra magníficamente un álbum subestimado y subestimado en la floreciente carrera de Floyd.

El verde era más verde
La luz era más brillante
Con los amigos rodeados
Las noches de maravilla
…..

The Final Cut

Para su último álbum con Pink Floyd, Roger Waters ha construido un nuevo y controvertido trabajo. Este álbum es probablemente el más criticado de Pink Floyd. Para algunos, es un disco en solitario de Roger Waters, para otros no existe, ya que la discografía de Floyd se ha detenido en el Wall. Para mí, The Final Cut no es un álbum de música. Es sobre todo un álbum de poesía. Y un álbum bellamente poético.

El Final Cut es deprimente, no lo dudes. Probablemente el álbum más deprimente que he escuchado. El Sueño de la posguerra explica el escenario con su frase inicial «Dime la verdad, dime por qué Jesús fue aplastado». El Final Cut es una corta estancia en el infierno de Roger Waters.

Los elementos musicales son pocos pero suenan bien ya sean los tambores de The Post War Dream, el coro de Your Possible Pasts, el saxofón de The Gunner’s Dream o el solo de «The Fletcher Memorial Home». La única canción perdida es también la única musical, Not Now John. Ella iría a otra parte, pero en The Final Cut, es un error. Para la mayoría de las canciones, un simple piano es suficiente para expresar la melancolía de Roger.

Pero no podemos negar que The Final Cut es un disco eminentemente poético. The Final Cut, la canción homónima, es con mucho la canción más terrible que he escuchado nunca, pero es hermosa. ¡Qué palabras! Y qué emoción en la voz de Roger! Gilmour devuelve su genio a la vida para encontrar las notas correctas y hacer que su guitarra llore una última vez por Roger Waters.

Y si te muestro mi lado oscuro
¿Todavía me abrazarás esta noche?
Y si te abro mi corazón.
Y te mostraré mi lado débil.
¿Qué harías?

Ummagumma

A mediados de 1969, el Floyd se reunió en Londres para grabar un nuevo álbum. Syd Barett había sido despedido a finales del año anterior debido a sus problemas de drogas y alcohol, reemplazado por David Gilmour. Aparte de la OST de More, la banda sólo había dado conciertos para integrar al ex guitarrista de Jokers Wild. Y es entonces cuando Richard Wright se inspira: ¿por qué no dar media cara de un disco a cada miembro del grupo para que puedan componer lo que el tecladista llama «música real»? El álbum consistiría, por tanto, en dos discos, el primero de los cuales contendría temas en directo grabados en Birmingham y Manchester entre mayo y junio de 1969. Esta idea de componer aisladamente del resto de la banda es la fuerza pero también el gran defecto del álbum.

Imagínate por un momento que te gustaría escribir un libro con otros sobre un tema definido. Excepto que cada capítulo sería escrito por una sola persona, sin consultar a los demás, y que al final, lo pondrías todo junto tal como está. Obviamente, esto será un problema: su libro será inconsistente y heterogéneo. Bueno, Ummagumma, es lo mismo. Cuatro partes trabajadas por separado que se juntan no forman un álbum real. Parece que el lavavajillas está listo. Además, la mayoría de los miembros de la banda rechazaron este álbum, llamándolo un desastre (Waters), uno horrible (Gilmour), un fracaso (Mason), y sin entender cómo podía haberse vendido tan bien – llegó al quinto lugar de las listas de éxitos en Gran Bretaña.

Porque el álbum no carece de defectos. Ya la parte de Wright, Sysyphus, es bastante mala, demasiado pomposa y artificial para meterse realmente en el estómago, a pesar de algunas buenas ideas en los teclados; la parte de Gilmour, The Narrow Way, que es muy plana y carece de locura y mordida – especialmente en el lado de las letras, porque Waters se negó a escribirle textos. Y como ambas partes tienen más de 12 minutos cada una, hay suficiente para encontrar el tiempo largo.

Y aún así, Ummagumma no carece de cualidades. Ya su primer álbum es una pura maravilla. Cuatro pistas en directo que se suceden a toda velocidad: Astronomía Domine – que es magnífica, Cuidado con esa hacha, Eugenio – brillante, Establecer los controles para el corazón del sol y Un platillo de secretos. Estas canciones están muy bien puestas al ritmo de la música, y se benefician de una magnífica guitarra y una excelente batería – especialmente en Astronomía Divina, que muestra todo el talento de Mason. Entonces, si los juegos de Wright y Gilmour se pierden, los juegos de Waters y Mason no. El bajista nos ofrece dos temas muy íntimos, llenos de efectos sonoros y letras melancólicas, que prefiguran If, Wish you were Here or Nobody Home; en cuanto al baterista, nos entrega un solo muy sólido de 9 minutos al final, acompañado de efectos sonoros que nos recuerdan a Bike del disco anterior. Aunque sean encofrados en bruto, son el futuro y el pasado de Pink Floyd, y dan un sello real a Ummagumma, una cierta consistencia.

Al final, ¿qué pensar de este disco con un nombre tan erótico? Aunque tiene un número significativo de defectos, el mayor de los cuales es la parte de Wright -que Waters encontró «pretenciosa-, Ummagumma también tiene sus cualidades y, sobre todo, nos permite vislumbrar los horizontes musicales que la banda tomará con Atom Heart Mother and Meddle: el rock progresivo; la experimentación sonora, la experimentación tecnológica; una escritura a la vez suave y agresiva. Ummagumma es Pink Floyd que tiene que aprender a canalizarse. Porque sin Syd Barett, la experimentación sólo puede ser un fracaso.

The Wall

No puedes forzar a nadie a que le guste un trabajo. Es inútil y molesto, y entonces todo el mundo sabe que en realidad nuestros favoritos son más a menudo las sorpresas que la escucha forzada y asidua. Esto es aún más cierto cuando el trabajo se tambalea. La Muralla se tambalea, siempre he entendido a los que la ignoraban, a los que se dirigían hacia la perfección mecánica y casi divina de un Lado Oscuro de la Luna y a los que abandonaban el monumento imperfecto que es La Muralla. Pero como acabo de decir, los favoritos son sobre todo una historia de sorpresa, una historia de descubrimientos inesperados y The Wall es mi mayor favorito.

Fue en 2010 cuando empecé a moverme hacia la música rock. Llevaba mucho tiempo rapeando, ya no podía evitarlo, mis oídos necesitaban un nuevo sonido. Estaba a tientas, miraba sin mucho éxito y un día me encontré con el Muro. No hay necesidad de explicar cómo llegué allí, lo importante es que llegué allí y puse mis oídos en un disco del que nadie me había hablado, quiero dejarlo claro. Mis padres y el rock and roll son dos. Ningún hermano mayor, ningún amante de la música en mi familia, ni siquiera en mis amigos de entonces para dirigirme hacia Pink Floyd. Fui allí por mi cuenta, una virgen de todas las expectativas. Sólo por el sabor del riesgo. Y hubo algunas primeras escuchas que no fueron fructíferas, mis oídos habían estado acostumbrados a un género musical completamente diferente, pero un día el clic llegó. En invierno por la noche, por falta de autobús me fui bajo la nieve a pie durante 40 minutos de caminata en un paisaje como Shining. Allí me ponía los auriculares en las orejas y me metía en la pared.

La conmoción

En The Flesh, The Thin Ice, Mother, Young Lust, Is There Anybody Out There There….bajo la nieve, en el aire helado la música tomó una forma mágica, majestuosa y aterradora. ¡Un enamoramiento de qué! Tal vez incluso más. Una revelación. Algo que se puede experimentar solo, algo que sólo nos concierne a nosotros y a la música. En ese momento no sabía que algunas personas podían ignorar este álbum. Para mí fue la perfección porque fue una experiencia plenamente vivida. Muy rápidamente The Wall se me apareció no como un disco bien calibrado con secuencias musicales irreprochables, sino como un trabajo loco y grandilocuente con altibajos, momentos majestuosos de rock’n’ roll y momentos de pura locura, visceral, psicótico. Me quitaron literalmente la mente, ya no era capaz de juzgar, de decir si tal o cual pieza era buena o no, estaba atrapada en un torbellino, en una montaña rusa emocional. Vino por un segundo para sufrir mejor el segundo después. Y nunca había experimentado eso antes. ¡Nunca! ¡Nunca! Incluso con el mejor álbum de rap de la historia. ¡No estaba acostumbrado! No me lo esperaba y me agarró así sin avisar.

Casi un año después, completamente loco por este disco, gasté todo mi dinero para ir a ver a Roger Waters en Bercy y tocarlo en el escenario. Y esa fue la segunda revelación. The Wall no es un álbum, es un espectáculo. Todo está diseñado para el escenario. Se trata de paredes gigantescas, proyecciones animadas, juegos de luz e ilusiones, todo encaja perfectamente. El aliento que sentí solo bajo la nieve en mi casco, lo sentí de nuevo con una fuerza diez veces mayor, rodeado de una multitud que sentía lo mismo, el mismo fervor, que vivía el mismo momento.

Y desde entonces me han dicho a menudo que The Wall era imperfecto, que Dark Side era mucho mejor, que era innegable y que había que ser objetivo, pero la objetividad no tiene nada que ver con la música. Para mí The Wall es un disco único, continúa y continuará llevándome a un mundo de múltiples estados de ánimo. Un viaje a la locura y la soledad dirigido por Roger Waters. Un viaje con sus fases luminosas y mágicas como Comfortably Numb y sus fases negras y dolorosas como Don’t Leave Me Now. The Wall es un álbum apasionado, y su imperfección lo convierte en un álbum perfecto. Un álbum vivo, un álbum personal para quien lo ama, un álbum arriesgado, megalomaníaco pero audaz, un álbum que marca la cúspide de una banda, un álbum que ni siquiera apunta a la perfección, sino que apunta a la emoción sobre todo aunque signifique ir más allá de los límites musicales.

Y no me importa cuánto me costó el año 40 saber que Waters era un imbécil. Conozco el contexto y no mancha la música, sólo la explica. Entonces podré escuchar todos los argumentos más precisos y constructivos para explicarme por qué precisamente este álbum no es el mejor de Pink Floyd, por qué es defectuoso y por qué ya no es realmente Pink Floydian, me importa un bledo. Tal vez eso es lo que le gusta de mí a Pink Floyd.

Meddle

Después de la gira promocional de Atom Heart Mother en los Estados Unidos y Gran Bretaña, Pink Floyd regresó a Abbey Road en enero de 1971 para trabajar en un nuevo álbum. Básicamente, Waters sólo piensa en trabajar en nuevas técnicas musicales, para desarrollar nuevos sonidos: así, Gilmour prueba diferentes tipos de riffs de guitarra, Waters y Wright buscan nuevos efectos de sonido, etc. Además de esta investigación experimental, hay un nuevo problema para el grupo: las pistas de grabación. De hecho, en ese momento, Abbey Road sólo tenía sistemas de grabación de 8 pistas. Sin embargo, en su investigación, la banda quiere expandir el sonido de sus canciones con un sistema de 16 pistas. Finalmente, el Floyd grabará algunas partes en dos pequeños estudios: Air y Morgan, también en Londres. Esto les servirá para componer la canción principal del álbum, Echoes.

En cuanto a su estructura, este álbum es similar al anterior. Una pista larga – que sirve como conclusión esta vez, y otras cinco piezas más o menos largas – de 2 a 6 minutos. Sin embargo, mientras que AHM era una extensión de Ummagumma con tres canciones compuestas y arregladas por un solo miembro del grupo, en Meddle están casi todas compuestas y arregladas colectivamente – excepto San Tropez, compuesta por Waters. Y puedes sentirlo, porque Meddle es más coherente, más controlado que AHM. Además, Pink Floyd se ha permitido hacer algunas locuras en las composiciones, con sonidos originales para la banda.

Así, el álbum comienza con fuerza con One of These Days, una canción áspera, muy eléctrica y rítmica, todo en riffs de guitarra y sintetizadores aéreos; los tambores de Mason no pueden ser superados. El siguiente tema, A Pillow of Winds es más clásico, y nos recuerda a «If», que es una garantía de calidad; Fearless está más inspirado, con su guitarra saturada, sus partes melódicas y, sobre todo, el «You Will Never Walk Alone» cantado por los fans del Liverpool, que da escalofríos, especialmente cuando eres un fan del club, como yo. San Tropez es agradable de escuchar, con un lado un poco jazzy no desagradable; en cuanto a Seamus, con sus ladridos en el fondo, es bastante sobrio y desnudo.

Pero la estrella de este álbum es Echoes. Dominado de principio a fin, ofrece una paleta de sonidos y efectos bastante asombrosa, con este sonido sonoro que confunde y angustia. En más de 23 minutos, no queda ni un segundo para tirar; todo está en su lugar. A la banda le tomó varios meses afinar Echoes, a través de los 3 estudios solicitados, pero el resultado es realmente asombroso. Algunas partes desarrolladas para el título serán reutilizadas más tarde, incluyendo una secuencia completa que se convertirá en dos años después….. Daño cerebral. Demuestra que tanto en Ecos como en el cerdo, todo está bien.

Había escuchado este disco hace unos años, y me debe haber sorprendido. Variado, más logrado que AHM en su estructura, pero musicalmente diferente, Meddle es un verdadero éxito, que prefigura el tríptico The Dark Side of the Moon/Wish you were here/Animals. Un muy buen pico.

Animals

Una vez más, esto es impresionante. Ver increíble. Después del monumental Deseo de Estar Aquí, ¿qué más puedes hacer sino morderte los dedos? Bueno, objetivamente, no puedo decirte que Animales es mejor, ah eso. No. Pero una verdadera sorpresa, sí.

De los 4 discos «mayores» de Pink Floyd (que en realidad son los más famosos, sí.), Animals fue el más delicado, y el último en ser escuchado, mientras que fue el segundo que descubrí. Pero esta portada, ah, qué portada. Oscura, sucia, representando una de las grandes fábricas de Londres…. Todavía no había leído La Ferme des Animaux, pero al final creo que hice lo correcto. Así, liberado de cualquier dirección de lectura, comprendo este álbum sombrío con un poco de miedo, de angustia y me pregunto qué encontraré allí. El álbum lanzado fue Pigs On The Wings Part One, que abrió la bola, con una guitarra acústica-folk (?) y una vez más la magia funcionó. Bueno, no, no realmente. Porque la siguiente pista dura….. 17 minutos. Así que no podías esperarlo necesariamente en el vinilo, pero está escrito en blanco y negro en mi iTruc, y da miedo. Después de una apertura tan suave, la canción se vuelve más cuadrada, superficial y, sobre todo, más violenta, se añaden gritos de perro de vez en cuando, pero siempre en el momento adecuado. Ah, Perros…..

Perros, me quitaron todo: mi tiempo, mi paciencia, mi ingenuidad también. Pero yo era estúpido, joven e inocente. Porque de hecho, eres mejor que Bienvenido a la máquina, e incluso tienes un cigarro. Confieso. Eres una delicia, las guitarras son realmente, pero luego realmente muy buenas (y luego cuando te escucho en Remasterized, ni siquiera te imaginas a ti mismo). Todo está ahí, todo está preparado, palabras asesinas, sirenas, todo el mundo, desde los tiburones hasta los perros, que es la compañía. Toda la domesticación del empleado, nada se detiene, todo es violento. Es con un dominio impecable del tiempo (ningún paso es demasiado corto, ningún paso es demasiado lento). Las letras no pueden volar, tus diferentes partes (3, me permito), subir, de las que recordaría por cada una: Alienación, virulencia: «Y después de un tiempo, puedes trabajar en los puntos de estilo / Como la corbata de palo, y el apretón de manos firme / Una mirada a los ojos y una sonrisa fácil», la conciencia, la imposibilidad de retroceder: «Tengo que admitir que estoy un poco confundido / a veces me parece que sólo estoy acostumbrado / Tengo que permanecer despierto, tengo que tratar de sacudirme este malestar sigiloso / si no me mantengo firme, cómo puedo encontrar la salida de este laberinto» y, finalmente, la fatalidad: «quién se estaba separando de la manada / quién era sólo un extraño en casa / quién estaba molido al final / quién fue encontrado muerto por teléfono / quién fue arrastrado hacia abajo por la piedra». Cada partido transmite para cada uno de ellos una fuerza extraordinaria. Luego venga a las manos con «Pigs (Three Different One)».

Seguramente lo habrás entendido, a diferencia de muchos otros, Dogs es mi canción favorita de Animals, cuando algunas personas cantan Sheep or Pigs (Tres Diferentes Uno), así que todo es correcto, bueno, incluso muy bueno en el futuro, pero ya no con la misma fuerza, Pigs (TDO) ataca más de frente, con más odio, pero también con menos sutileza, «Pig man Pig Ma-ahah, Ahah Charade you are». Sin romper el ritmo del disco, todo lo contrario, dejando que las ovejas se aburran. Sonidos de distorsión más bien psicodélicos, balidos apagados, ignorancia de la masa frente al sistema, el eslabón débil de la cadena, pero utilizado por todo lo demás. Ovejas, ya sabes, es el tipo de gente que te dice «Todo podrido», «Nada va a cambiar de todos modos», son estos gilipollas que pretenden tener una opinión sobre todo, que van al comportamiento más básico para expresar su auto-odio. Estas personas que están atascadas frente a TF1 pensando que están asistiendo a programas culturales de calidad, o incluso sólo por diversión. También lo hacen aquellos que piensan que el arte es sólo una distracción agradable. Finalmente, eso es todo lo que Sheep me transmitió, aunque desafortunadamente encontré la canción bastante plana, excepto durante los cambios de humor durante el canto.

Pero entonces por qué, por qué 10 si 2 de las 5 piezas son buenas. Porque el final hace eco claramente del primer tema (Pigs On The Wings Part Two), porque despierta toda la magia, toda la sensibilidad de la cosa y me hace querer terminar mi crítica con una traducción aproximada pero lo más lírica posible, porque Dogs es una canción increíble, porque el ambiente en general es simplemente brillante. En resumen, Animals es una parte esencial de Pink Floyd, y mi álbum, en lugar de ser el favorito, es un favorito.

The Dark Side of the Moon

Reconocemos un gran álbum por su capacidad de unir a una población dispar y de lanzar un momento de pura emoción. Eso es lo que he presenciado, no hace tanto tiempo esta noche en febrero, cuando, en la Place du Panthéon de Roma, un grupo de guitarristas aficionados comenzó a cubrir el álbum de Pink Floyd con bastante fidelidad. Una joven hispana se separó del público para entregar su canción al improvisado público y nosotros, los franceses, estábamos encantados con tanta belleza.

Para Michael Wale del Times, que estrenó The Dark Side of the Moon en 1972, el álbum «naturalmente le hizo llorar».

Era tan claro y perfecto, que te hacía sentir como si estuvieras en
pregunta desde un punto de vista musical.

Esta es la fuerza de la banda, que ha adaptado la forma musical de las canciones al concepto más general del álbum. ¿Cuál es el concepto entonces?

Su particularidad se encuentra en el lado de la propia unidad. Tanto en el contenido como en la forma, aunque, como se nos ha dicho 20 veces durante nuestra escolarización, NO debemos separar estos dos términos inextricables (¿oyes la voz del profesor de francés que resuena en el aula con paredes amarillentas?) – The Dark Side of the Moon mima a uno con una gran U.

Las canciones siguen y siguen sin interrupción, es una pequeña revolución en la escena del rock. Más adelante hablaremos de un «concept album», prueba de la importancia que tiene la reflexión sobre la forma del disco, lejos de ser insignificante. Tal unidad influye en el tema y la letra de las canciones: ¿qué es la unidad suprema, si no la vida?

Sin embargo, el álbum no es un bloque, ni un solo estado. Por el contrario, es el símbolo de la encarnación del Uno en múltiples realidades, como los rayos difractados por el prisma de la portada del álbum que provienen de la misma fuente de luz. La unidad es también cósmica, es la de la estrella; sin embargo, la estrella siempre tiene dos caras, dependiendo del punto de vista del observador. Aquí, la estrella es lunar y el lado no es el más brillante.

Pero lleguemos a lo esencial, es decir, al prisma de la aprehensión de la vida adoptado por Pink Floyd: la locura.

El reto de The Dark Side of the Moon es reproducir lo que te vuelve loco, ilustrarlo musicalmente. Impulsados por una necesidad interior y conmovidos por el triste destino de su ex compañero de juego Syd Barrett, los cuatro músicos del grupo se esfuerzan por mantenerse lo más cerca posible de esta locura que nos espera a todos, y más aún durante las giras que se suceden incansablemente.

La única salida posible es el arte, cuando todavía está bajo control (¿quién podría negar a Syd Barrett, un genio, el estatus de artista?) De hecho, paradójicamente el artista es el que acepta estar loco para tocar al otro, que comparte fundamentalmente su locura. Para ello, cataliza su propia locura en un proyecto «racional» y universalmente bello, desde el punto de vista kantiano. El éxito del octavo álbum de Pink Floyd se debe en gran medida a la relevancia del tema con el que está imbuido.

El genio del grupo fue asociar este estado mental humano con su representación cósmica. Si el paralelo es más fácil de establecer en inglés, ya que «lunático» tiene un significado más fuerte que «lunático», los dos términos tienen en común designar este estado de conciencia puntual o sistemáticamente alterado. El lunático o bipolar es el que cambia de cara a la arenisca desde la posición de la luna, cuando el «lunático», que puede traducirse como loco, es un paciente peligroso con trastornos permanentes de comportamiento. Aunque el vínculo científico no esté probado, la leyenda urbana está bien anclada en la mente de las personas: la luna se beneficia en el imaginario colectivo de un poder magnético, casi electrizante, y ritma nuestras vidas al ritmo de las mareas.

Siguiendo un paralelo astrológico muy extendido, la luna reflejaría una imagen de nosotros mismos. La tradición dice que las estrellas dicen cosas de los que las observan. La ilustración más común de esta práctica se encuentra en los signos astrológicos que se nos atribuyen al nacer, los cuales se supone que revelan un rasgo común de carácter a todos aquellos que nacen en la misma época del año.

Porque es la Tierra, y no la estrella lunar, la que en última instancia
lleva a los locos.

Y este hábito de buscar en el espejo infinitamente grande del alma es mucho más antiguo que el de Pink Floyd, ya que Pascal ya le había dedicado un texto muy bello en sus Pensamientos. En «los dos infinitos», muestra que el hombre está perdido, sin encontrar su lugar entre el mundo infinitamente grande y el mundo microscópico. Por lo tanto, es fácil entender que este desajuste es la causa de los trastornos de personalidad en la psicología moderna.

 

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