Los mejores álbumes post-punk

Los 10 mejores álbumes post-punk

Hay montones de libros sobre el punk antiguo y lo que le hizo a la música popular. También hay libros sobre el post-punk, y esas son las lecturas más interesantes porque queda claro lo matizado y complejo que es el post-punk como género musical. Mucho más interesante fue la música desarrollada (e inspirada) por artistas que vieron el punk y dijeron dos cosas: 1) Puedo hacer eso, y 2) Puedo hacerlo mejor. Si es mejor depende del oyente (sugerencia: lo es) y no ayuda que el post-punk sea un término tan general para una amplia gama de música hecha entre 1978 y 1984 que saltó del acantilado del punk y experimentó con el sonido, el estilo y la influencia. Combinó la audacia del arte con la ira del punk, pero rompió con los tradicionales atavíos del rock’n’roll, quitando y devolviendo géneros como el krautrock, el rock artístico, el jangle pop, el hip-hop, el folk, el funk, etc. Básicamente, reglas post-punk.

Entre dirges atmosféricos y exaltaciones frenéticas de danza, desde canciones que arden por dentro hasta canciones que se enfurecen por fuera, hay docenas de hitos post-punk que merecen un estudio intenso. Aquí hay diez.

Siouxsie & The Banshees: The Scream

El álbum debut de Siouxsie & The Banshees, The Scream (1978), es una furia cruda personificada, pero en lugar de una bola de fuego que se sale de control, la banda controla cuidadosamente el espacio musical y las imágenes desconcertantes. Las notas de apertura estranguladas de «Pure» son raras y ominosas, y los lejanos lamentos de Siouxsie Sioux se suman a la incomodidad. Luego, las notas de bajo de Steve Severin anclan el ambiente mientras la batería (Kenny Morris) y la guitarra (John McKay) construyen un choque climático con Siouxsie cantando sobre la confusión y no sintiéndose como usted mismo en «Jigsaw Feeling». La búsqueda de uno mismo continúa con «Overground», que comienza con riffs de guitarra desarticulados y culmina con tambores sonoros. «Carcass» y «Nicotine Stain» son más sencillos punk, pero el resto del álbum pone punk rock en su oreja. Destacan la pesadilla «Mirage», la inquietante «Suburban Relapse» y el claustrofóbico «Switch». Y en una de las primeras versiones de «Helter Skelter», las Banshees toman uno de los números más conmovedores de los Beatles y nos muestran cómo suena la verdadera amenaza.

Pere Ubu: Dub Housing

Pere Ubu nació en el huracán del punk a mediados de los años 70 en los desolados paisajes industriales de Cleveland, Ohio, pero fue ignorado por la escena dominante por no sonar como los demás y por no venir de Nueva York. La banda abrazó su condición de forastera como una insignia de honor, manteniendo su llamada’vanguardia’ en el underground. En el segundo álbum, Dub Housing (1978), las estructuras básicas de las canciones de rock’n’n roll se tuercen en formas de maullidos y aullidos. «Navvy» y «On the Surface» comienzan el álbum con un ritmo pop-punk familiar, aunque extraño, pero el álbum se deconstruye constantemente en un ruidoso art-rock, con el líder David Thomas dándole lo mejor de sí mismo. Está respaldado por los riffs de guitarra de Tom Herman, el bajo melódico de Tony Maimone, la batería minimalista y pomposa de Scott Krauss y los paisajes sonoros del maestro sintetizador Allen Ravenstine. «Caligari’s Mirror» se enfrenta a la chabola marina «Drunken Sailor» con abandono, «Thriller» y «Blow Daddy-O» aumentan la ansiedad con una mezcla de sonidos y palabras oscuras, y «(Pa) Ubu Dance Party» te lleva de vuelta a tierra firme con un ritmo de baile honesto. Impresionante, oscuro y surrealista, Dub Housing merece estar en tu mesa.

Magazine: Real Life

Magazine fue fundada en 1977 por Howard Devoto, después de dejar los Buzzcocks, de los que fue cofundador junto con Pete Shelley. No queriendo estar atado por la estructura más tradicionalista del punk, se asoció con el guitarrista John McGeoch (que más tarde se uniría a Siouxsie & The Banshees), el bajista Barry Adamson, el tecladista Dave Formula y el baterista Martin Jackson para lanzar su álbum debut Real Life en 1978. Sin alcanzar nunca la popularidad de la otra banda de Devoto, Magazine sigue siendo sin embargo un influyente pionero del post-punk, incorporando sintetizadores y saxos en un furioso cabaret de sonido art-rock. Está la explosión punk de «Shot By Both Sides», pero también hay glamour («Burst») y pistas de la nueva ola («Definitive Gaze» y «Motorcade»). «he Great Beautician in the Sky» se arremolina como un desvencijado paseo de carnaval, las emociones se disparan en «The Light Pours Out of Me», y el espeluznante acto lounge «Parade» cierra el álbum, en el que Devoto canta sobre el olvido de que se supone que está enamorado y se pregunta qué le queda ahora que está «fuera de contacto con la ira». Si quieres saber dónde empieza el post-punk, aquí está.

Pylon: Gyrate

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Athens, GA, no está típicamente en el mapa cuando se habla de post-punk temprano, pero eso es porque Pylon es a menudo pasado por alto criminalmente. Pylon fue una banda de corta duración e influyente en la escena musical local, inspirando a muchas de las bandas que vinieron después. Fundada por Michael Lachowski (bajo) y Randy Bewley (guitarra), reclutaron a sus compañeros de arte Curtis Crowe (batería) y Vanessa Hay (vocalista). El álbum debut Gyrate (1980) estalla con confianza. El heno canta y grita, desafiantemente atreviéndose a hacer un agujero en su corazón («Feast On My Heart»). Las guitarras angulares dominan «Precaution” and “Danger», son a veces atmosféricas y estridentes en el alegre instrumental «Weather Radio», y la sección rítmica mata absolutamente en canciones como «Human Body» y «Read A Book». La imaginería lírica es críptica en el mejor de los casos, con algunas canciones que sólo repiten unas pocas líneas, pero no se trata realmente de palabras con Gyrate. Todo se trata del estado de ánimo y Hay y compañía pintan un feroz post-punk con ritmos bailables que se mantiene hasta el día de hoy.

Joy Division: Unknown Pleasures

Que el álbum debut de Joy Division, Unknown Pleasures (1979) es un clásico post-punk es incuestionable. Pero su portada icónica, la trágica historia del frontman Ian Curtis, el ave fénix de las cenizas que es New Order, todo eso es tan legendario que es fácil perder de vista la música real. Joy Division evitó el enojo de los punks en tu cara y en su lugar usó imágenes líricas abstractas y perturbadoras emparejadas con ritmos irresistibles. También ayudó a que el productor Martin Hannett moldeara su sonido de estudio para enfatizar el espacio sonoro, proporcionando sparsity y frialdad a lo que ya eran canciones oscuramente emocionales. Las líneas de bajo melódicas se entrelazan con la guitarra distorsionada en canciones como «She’s Lost Control», «Shadowplay» e «Interzone», mientras que la batería se mantiene en equilibrio con la caja de resonancia y la precisión mecánica. Curtis canta sobre tener el espíritu pero perder la sensación en el abridor «Disorder», afirma que ya no tiene miedo mientras que siniestros sintetizadores se ciernen sobre él («Insight»), y está en su mayor parte desnudo, buscando algo significativo en la epopeya «New Dawn Fades» (El nuevo amanecer se desvanece). Unknown Pleasures nos lleva en un viaje sombrío a través de la pasión y la desolación.

X-Ray Spex: Germfree Adolescents

El punk rock, una adolescente con ortodoncia y un saxofón cáustico hacen de Germfree Adolescents (1978) uno de los álbumes más únicos e impactantes de todos los tiempos. Los contundentes ataques de «Obsessed With You» y «Plastic Bag» aceleran el pulso, mientras que los momentos más suaves y la sensibilidad pop de canciones como «Warrior in Woolworths» y el tema autotitulado también apuntan a un deseo de hacer algo más que sorprender al público. El cantante y compositor de X-Ray Spex, Poly Styrene, quería protestar contra un mundo de plástico falso (tomar el nombre artístico de Poly Styrene se convirtió en el emblema de ese ethos). «Identidad» se inspiró aparentemente en el encuentro de Poly con una chica que se cortaba en el baño de un club y aunque le habla a la chica, las letras del himno advierten a todo el mundo a no confundir la imagen con el yo. Elimina los farsantes («I Am a Poseur») y advierte contra el consumismo («Plastic Bag»). Todo el álbum lleva al oyente en una búsqueda de la verdad, de mantener su propia persona a pesar de la obsesión de la sociedad con la adoración material y los falsos ídolos de la belleza corporativa. Si eres un fan de las mujeres que lloran mucho y no has oído hablar de la Spex, súbete a ella.

The Fall: Hex Enduction Hour

Decir que The Fall es una banda prolífica es como decir que el agua está mojada. La discografía con más de treinta álbumes de estudio puede ser bastante intimidante, pero si estamos hablando de la era post-punk entonces no hay duda de que el cuarto álbum Hex Enduction Hour (1982) es el más destacado. El fundador y líder Mark E. Smith puso toda su ira y amargura por la falta de aprecio por la banda, con la intención de que el álbum fuera el último clavo en el ataúd de la banda. No sabía que La Caída acababa de empezar. Una estética lo-fi, una vibración de garage-rock con dos bateristas y el estilo de canto de Smith nos recuerdan las salidas con amigos en los bares, donde los cuentos de borrachos y las actividades poco aconsejables dominan la noche. Canciones como «The Classical», «Fortress/Deer Park», y «Winter (Hostel-Maxi)» canalizan Iggy Pop and Velvet Underground si se hubieran ido de juerga juntos al norte de Inglaterra. El proverbial dedo a todos sus críticos, Hex Enduction Hour demostró que se puede hacer una gran música cuando lo haces por ti mismo y por nadie más.

ESG: ESG EP

En la neblina de más de tres décadas, el post-punk no trae realmente a la mente la música funk, pero durante un tiempo a principios de los’80 eso es exactamente lo que bandas como ESG, Liquid Liquid y A Certain Ratio habían hecho: fusionar las sensibilidades experimentales del post-punk con la pista de baile. Cuando su autotitulado EP fue lanzado en 1981, ESG estaba compuesto por las hermanas Scroggins (Renee, Valerie, Deborah y Marie) y el percusionista Tito Libran. Habían estado abriéndose paso en la escena musical neoyorquina cuando llamaron la atención de Tony Wilson, quien los convenció de grabar algunas canciones con el productor Martin Hannett (sí, el productor de Joy Division) en Factory Records en Inglaterra. En el lado uno del EP se encuentran las tres canciones grabadas con Hannett, «You’re No Good», «Moody» y el legendario y a menudo probado «UFO». El estilo de producción tiene Hannett por todas partes (clara separación de instrumentos, efectos de sonido, etc.) pero el funk minimalista es todo ESG. Si le das la vuelta a la cara dos, tendrás tres canciones grabadas en vivo en un club de Manhattan. Los ritmos son asesinos y te tendrán escarbando en el resto de su catálogo.

The Raincoats: The Raincoats

En el momento de la grabación de su álbum debut en 1979, The Raincoats era una banda de mujeres: Ana da Silva (voz, guitarra), Gina Burch (voz, bajo), Vicky Aspinall (voz, violín) y Palmolive (batería). Tres de los cuatro vivían en viviendas ocupadas en Londres, viviendo casi en la nada, y como una banda ese tipo de improvisación informaba su música. Su discordante estilo folk-punk incluye un uso experimental de instrumentos, ritmos de doblaje y armonías de medio tiempo, pero en lugar de letras sobre política, The Raincoats escribió canciones sobre la vida de las mujeres jóvenes. Una mirada desgarradora a un caso real de asalto sexual y cómo el violador se libró fácilmente para evitar daños a su carrera militar («la vida de un soldado es muy dura, necesita amor tierno cuando está luchando») se explora en «Off Duty Trip». La incertidumbre en las relaciones («Adventures Close to Home” y “Black and White»), cómo el amor puede ser sofocante («You’re A Million” y“In Love”»), tratando de encontrar tiempo para ti mismo para encontrar tu propio espacio de cabeza («The Void» y «Life on the Line»), y siendo minimizado por una pareja («No Looking”»), el feminismo en estas canciones no es sónicamente ruidoso y sin embargo dice mucho.

Mission of Burma: Vs.

En su álbum debut behemoth, Vs. (1982), Mission of Burma muestra punk rock, hardcore temprano y abstracción intelectual artística. Y claro que sí, es jodidamente ruidoso. Formada en Boston, MA, la banda asaltó las orejas con capas punitivas de guitarra (Roger Miller), bajo (Clint Conley) y batería (Peter Prescott), ayudados por bucles de cinta diseñados por el cuarto miembro Martin Swope. Una pared agresiva de ruido tan fuerte que Miller desarrolló tinnitus, la roca que rompe oídos de Birmania y los bucles experimentales son pura adrenalina y hacen que el cerebro se enfurezca contra los idiotas («Train»), la iglesia («New Nails») y el crecimiento («Learn How»). Un álbum más cerca «That’s How I Escaped My Certain Fate» tiene al narrador en conflicto con otra persona que se está mudando, triste pero aliviada por haber escapado del matrimonio. Birmania también es experta en ralentizar las cosas como en «Trem Two» y «Einstein’s Day», e incluso consigue bailar con los pies en «Fun World». Sin embargo, la banda nunca deja que te sientas cómodo; la disonancia dinámica nunca está muy lejos.

Última actualización el 2025-03-18 / Enlaces de afiliados / Imágenes de la API para Afiliados. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables.