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Los 10 mejores discos de The Cure
Con todo su éxito, sigue siendo difícil describir The Cure a los no iniciados. Decir’goth rock’ es simplemente perezoso e incorrecto. Eso no explica por qué los fans van desde adolescentes malhumorados, graduados de la escuela de arte hasta yuppies de mediana edad, y no explica canciones como «The Love Cats». Como un camaleón, el director de orquesta y fundador Robert Smith ha llevado a la banda desde sus inicios minimalistas post-punk hasta el sturm y el drang, los excéntricos desvíos llenos de sintetizadores, las espirales psicodélicas y el vertiginoso dream pop. Entonces la banda lo hace de nuevo por si acaso. Son rock, gótico, punk, pop y disco psicodélico con una alineación fluida que baja a uno o globos a seis. La única constante es el único miembro original actualmente en la banda: Robert Smith en persona. Poeta, dibujante, artista y guitarrista, es el hijo de Nick Drake, Jimi Hendrix y Pink Floyd en lápiz labial que lee poesía francesa.
En su adolescencia, Smith formó Easy Cure en 1977 en Crawley, Inglaterra, que más tarde se convirtió en The Cure, y la formación se redujo a tres músicos con Smith a la guitarra, Michael Dempsey al bajo y Lol Tolhurst a la batería. Su debut, Three Imaginary Boys (1979) es un asunto desigual, pero hay algunas joyas, al igual que en los próximos doce álbumes de estudio y en las numerosas recopilaciones y álbumes en directo. Y estas gemas no son necesariamente las de los solteros. Los cortes no individuales son algunas de sus canciones más definitorias y son las que más se animan cuando se tocan en los conciertos. Tienes que sentarte y escuchar álbumes enteros para entenderlo. Desde pesadillas claustrofóbicas hasta paisajes de ensueño, hay algo para todos los gustos. Un fan de Die-Hard Cure dirá que necesitas tenerlos todos, pero aquí hay 10 álbumes con los que deberías pasar tiempo.
Faith
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Faith (1981) es el tercer álbum de estudio de The Cure y es perfecto para mirar por las ventanas a las hojas en descomposición y a los árboles que parecen muertos. Con tres piezas con Simon Gallup en el bajo, el creciente uso de drogas y alcohol de la banda prolongó las sesiones de grabación de canciones en las que Smith confrontó ideas de fe y espiritualidad. Musicalmente, el álbum es estratificado y atmosférico, incluso en los números más animados como el sencillo «Primary», donde los duelos de Smith y Gallup son frenéticos y fascinantes. Líricamente sombrío y emocional, Smith lamenta que «no puede sostener lo que devoras» («The Holy Hour»), reconoce que cuanto más viejo crecemos, más sabemos, menos mostramos» («Primary»), y enhebra un tema común de perder la inocente creencia en las cosas a medida que termina la infancia. Los tonos funerarios son obvios («All Cats Are Grey» y «Funeral Party») pero el corazón del álbum es la canción de cierre donde las afirmaciones de Smith de no tener nada más que fe después de que todo haya muerto y se haya ido son esperanzadoras o amargas, dependiendo del humor.
Pornography
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Por mucho que Smith protestara más tarde contra la etiqueta gótica de rock a menudo pegada a The Cure, no se puede negar en la época de la Pornografía de 1982. Un título de álbum perturbador, un gran pelo arrancado, lápiz labial y delineador negro, ropa negra y letras como «No importa si todos morimos», el cuarto álbum de la banda es tan gótico como puede ser. Con la misma formación que en Faith (aunque Gallup se marcharía después de la gira para ésta) Smith y compañía se sumergen en el abismo nihilista sobre la futilidad de la vida («One Hundred Years») y el sexo sin sentido como una marcha de la muerte («Siamese Twins») y eso es sólo el primer lado. «The Figurehead» abre el lado dos y el auto-odio es a la vez sorprendente y familiar para cualquiera que se haya dado cuenta de que era una persona de mierda. El melódico «A Strange Day» está casi fuera de lugar, excepto por el implacable sonido de los tambores. La claustrofobia se cierne sobre «Cold» y la canción de cierre, que es una mezcla de muestras distorsionadas de televisión, sintetizadores siniestros y letras de Smith que descienden a un colapso mental. Apaga las luces y sube el volumen de esta.
The Head on the Door
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Smith emergió de la psicodelia de The Top, terminó su etapa como guitarrista para Siouxsie & The Banshees, y buscó la renovación y la ligereza. La guitarrista Pearl Thompson (entonces conocida como Porl, que había sido parte de Easy Cure) y el bajista Gallup se reincorporaron oficialmente, se agregó el baterista Boris Williams, y Tolhurst se trasladó a los teclados. La banda inspiró a Smith a abrazar la guitarra acústica y explorar nuevos sonidos y estilos. Canciones pop y vídeos musicales estrafalarios, The Head on the Door (1985) sigue siendo el punto de partida perfecto para los novatos de Cure. El título del álbum es una línea del groovy single «Close to Me» tomada de una pesadilla de Smith’s sobre una cabeza desencarnada. Así que aunque lo que tenemos aquí es un disco pop, es un disco pop de Cure que combina sintetizadores con letras que piden a un amante traicionado que vuelva («In Between Days»), paralizado por la sangre mientras está respaldado por castañuelas y guitarra flamenca («The Blood»), y ahogándose en el entumecimiento («Sinking»). También tenemos nuestro primer himno con «Push» con su introducción de guitarra de 2.5 minutos y su línea de bajo que sigue siendo la favorita de los programas en vivo. El Head on the Door desdibujó las líneas de una música alternativa más oscura y más amigable con la radio.
Standing on a Beach: The Singles
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Sí, esta es una compilación de sencillos. Pero es una muy buena. Capitalizando el éxito de The Head on the Door, Standing on a Beach (1986) fue lanzado para familiarizar a los oyentes con el catálogo anterior de la banda. La versión en vinilo incluye sencillos tempranos como «Boys Don’t Cry», así como varios sencillos fantásticos sin álbum como el número de baile «The Walk», el estrafalario «The Love Cats», «Let’s Go To Bed» y la novela «Charlotte Sometimes», inspirada en los espeluznantes personajes de los niños, que por sí sola hace que conseguir este disco sea una necesidad. Y como esta lista de los 10 mejores deja fuera algunos de los primeros álbumes, todavía querrás canciones como «The Caterpillar» etéreo y el perfecto «A Forest». Como cualquier gran retrospectiva que valga la pena, este álbum no sólo es una gran introducción a sus inicios post-punk y a la progresión de las grapas de la radio alternativa, sino que también demuestra que The Cure no sólo decidió saltar a las canciones pop con «In Between Days», sino que lo ha estado haciendo desde el principio.
Kiss Me Kiss Me Kiss Me
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Para cualquiera que no considere a Robert Smith como un héroe de la guitarra, escuche el primer tema «The Kiss». Por más de un minuto la guitarra grita y se tambalea mientras las teclas y la batería ominosas alcanzan un clímax contundente en el que Smith escupe y se lamenta de sus letras desdeñosas. Es un recordatorio de que a pesar de lo que el oyente ha escuchado de singles amigables con la radio como «Just Like Heaven» y «Why Can’t I Be You», el doble-LP Kiss Me Kiss Me Kiss Me Kiss Me (1987) es una mezcla ecléctica de pop y dirge. Múltiples personalidades están en exhibición: estrella del pop (los singles mencionados anteriormente, así como «Hot Hot Hot Hot!»), héroe psicodélico gótico (“Torture,” “If Only Tonight We Could Sleep,” y “The Snake Pit”) , romántico herido (“Catch,” “One More Time,” “How Beautiful You Are,” y “A Thousand Hours”), y un mentor reacio a curar a los devotos en todas partes del álbum más cerca de «Fight», donde insta a los oyentes a que «cuando empiece el dolor y cuando comiencen las pesadillas/recordar que puedes llenar el cielo, no tienes que rendirte».” The Head on the Door sentó las bases, pero Kiss Me fue la recompensa, un éxito internacional que empujó a la banda a la corriente principal.
Disintegration
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La exuberante perfección de Disintegration significa que puede poner la banda sonora de una noche de revolcarse solo en el corazón roto o de una tierna noche de tanteo sin aliento y pintalabios manchados. Después del éxito de Kiss Me, la banda (con Roger O’Donnell en las teclas) estaba en su apogeo creativo, pero las tendencias depresivas de Smith, su creciente desilusión con lo que el éxito del pop significaba para la banda, y la insistencia de sus compañeros de banda en despedir a Tolhurst, amigo de la infancia de Smith (cuyas adicciones impedían cualquier contribución significativa), inspiraron un regreso a temas más oscuros de amor y pérdida. A pesar de la incómoda acogida por parte del sello que esperaba canciones pop en la línea de Kiss Me, Disintegration de 1989 se convirtió en su álbum más exitoso. Los sencillos «Pictures of You», «Lullaby» y «Lovesong» (escrito para la esposa de Smith) obtuvieron una extensa obra de radio. Capas de guitarras y sintetizadores brillantes, una proclividad para largas intros instrumentales, un abridor de álbumes que define todo lo que debería ser un abridor de álbumes («Plainsong»), una canción de corte del título, el amor, la ira y el odio a sí mismo, ¿quién hubiera pensado que un álbum sobre el desmoronamiento llevaría a la banda al estrellato de los estadios de rock?
Wish
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1992’s Wish es un sueño de excelencia pop y cualquiera que diga lo contrario no lo ha entendido. Seguro que no fue una caída de adelante hacia atrás en los pantanos de la tristeza como querían los duros de pelar, pero en muchos sentidos Wish es el primo más maduro de la Desintegración. Aún así, un disco de cinco piezas con Perry Bamonte añadido para reemplazar a O’Donnell en las teclas, el álbum repite el tema general de los finales y el amor-que-se-que-que-se-que-equivocó, pero en lugar de una introspección ensimismada, aborda la nostalgia tierna y una melancolía más-mejor-que-se-que-se-que-que-se-quiere. El amor sin fin es declarado («Alto») sólo para ser superado por la distancia emocional en «Apart». «From the Edge of the Deep Green Sea» es una furiosa maraña de guitarras y corazones en la historia de una pareja que no está destinada a ser pero que el narrador no puede soltar (prepárate para un solo de guitarra de Smith que se derrite en la cara). Montamos en la montaña rusa del amor en el impecable «Friday I’m In Love», pero hay problemas de confianza y él ya no puede fingir («Trust» y «A Letter to Elise»). «Cut» se sacude con desesperación y veneno, pero las cosas se ralentizan en la encantadora «To Wish Impossible Things» (Desear cosas imposibles) que duele con arrepentimiento. Por último, se nos dice que «por favor, deja de quererme, no soy ninguna de estas cosas» en el álbum más cercano «End», que hizo que los oyentes se preguntaran si estaba hablando con un amante o con los fans. La preocupación por la disolución de la banda sólo se vio agravada por las salidas de Williams y Thompson una vez finalizada la gira.
Paris
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Lo sé, lo sé, ¿por qué te hago codiciar un disco doble que cuesta cientos de dólares en Discogs? La respuesta corta: es su mejor álbum en vivo. Además, no has vivido hasta que has escuchado un programa de Cure en vivo. Si quieres escuchar a Cura temprana, ve a Concert; si quieres escucharlos tocar los éxitos, ve a Show. Pero si quieres escuchar a una banda en su formación de cinco músicos tocando temas que mejor definen lo que The Cure significa para sus fans, ve a Paris (1993). Grabado en octubre de 1992 en París durante su gira Wish, incluye los majestuosamente oscuros «The Figurehead» y «One Hundred Years» de Pornography y los ominosos «At Night» «In Your House» y «Play for Today» de Seventeen Seconds. El álbum funciona como una atmósfera temperamental, proporcionando una exuberancia a los temas anteriores que no existen en las versiones de estudio. Los vítores de adoración nunca paran y la banda es una unidad bien ensayada, con Smith jugando en «Catch», «Dressing Up» y «Close to Me», y satisfactoriamente trágico en «Apart», «Lovesong», «A Letter to Elise» y «Charlotte Sometimes». Las letras sensibleras nunca atenúan el humor alegre de todos los que escuchan a una de las mejores bandas de rock de la historia.
Bloodflowers
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Aclamado como un regreso a la forma después de los desiguales Wild Mood Swings (1996) (que vio el regreso de O’Donnell y la adición del baterista Jason Cooper), Bloodflowers (2000) fue promovido como en la misma línea que Pornografía y Desintegración (parte de una trilogía). No había sencillos lanzados al mercado ni pop abierto. La mayoría de las canciones duran más de cinco minutos y Bloodflowers incluso incluye el tema más largo del álbum hasta ahora (el extrañamente erótico «Watching Me Fall» a las 11:13 minutos). Inicialmente es difícil mantenerlo a la altura de las primeras obras maestras de la banda, pero es un álbum cohesivo que te roe, se mete bajo tu piel hasta que las simples letras de Smith llevan el peso del mundo. Los conocidos efectos de brida de guitarra, las indispensables líneas de bajo Gallup y el teclado O’Donnell florecen, es como ser abrazado por un viejo amigo. Se examinan las relaciones problemáticas («The Loudest Sound») y en «39» se reconoce a regañadientes (titulado apropiadamente como Smith tenía 39 años en el momento de la grabación). Fue su último álbum de estudio para el sello de larga data Fiction Records y de nuevo se sintió como si la banda se estuviera despidiendo; el álbum está terminado con dos canciones que hablan de la finalidad. Épico y agridulce, Bloodflowers está masivamente subestimado.
The Cure
Firmado por Geffen y trabajando con el productor Ross Robinson (conocido por su trabajo con Korn) y su sello I AM, Smith y compañía se vieron forzados a enfrentarse a su estatus de viejos estadistas en un 2004 en medio de un renacimiento post-punk con montones de bandas advenedizas llamadas The Cure como una gran influencia. Robinson les retó a grabar su duodécimo álbum de estudio The Cure en directo, mezclando las voces de Smith al frente y al centro, trayendo una inmediatez y una crudeza que no se consigue en ningún otro disco de Cure. Grita y gruñe con el abridor «Lost» en una catártica liberación de confusión e ira que es chocante e hipnotizante; la peligrosa psicodelia acecha con «Laberinto» y se burla con «La Promesa». Las canciones pop retorcidas también abundan con «The End of the World» y el mareado «I Don’t Know What’s Going». La ventaja añadida de conseguir el álbum en vinilo son los cuatro bonus tracks, por lo que se puede escuchar la encantadora «Truth Goodness and Beauty», «Fake», y el cierre preferido de Smith «Going Nowhere» en el contexto del resto del álbum (con extra «This Morning» añadido). Con un sonido fuerte, pesado como una guitarra, y con muy pocos sintetizadores cinematográficos e intros instrumentales de larga duración, The Cure nos recuerda que incluso los iconos legendarios pueden sorprender.
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Última actualización el 2024-12-10 / Enlaces de afiliados / Imágenes de la API para Afiliados. En calidad de Afiliado de Amazon, obtengo ingresos por las compras adscritas que cumplen los requisitos aplicables.