Los mejores álbumes de jazz vocal

Los mejores álbumes de jazz vocal

Los mejores discos de jazz vocal

Los entusiastas del jazz son tan variados como vienen en términos de sus preferencias en estilos de jazz, instrumentos favoritos, clasificaciones de la era de Miles Davis y, sí, si el jazz vocal es tan bueno como el jazz instrumental. La respuesta a esta última es un rotundo «¡Sí!» ¿Cómo podemos hablar de jazz sin hablar de las grandes cantantes de jazz como Billie Holiday y Ella Fitzgerald?

El enfoque del jazz vocal está obviamente en el cantante; la voz es el instrumento. Tiene sentido, entonces, que la mayoría del jazz vocal se enmarque en una forma de canción más tradicional. Las palabras y las letras añaden una estructura, pero esto no es necesariamente limitante. La variación rítmica más las innovaciones del canto scat (sílabas sin palabras) y vocalese (las palabras se añaden a los instrumentos) significan que la voz puede ir de mano en mano incluso con el mejor solo instrumental con improvisación en fraseo, ritmo y tono. Así, las canciones vocales de jazz pueden variar entre estándares pop/musicales y formas más experimentales. El cielo es el límite.

Los mejores cantantes de jazz son los que te traen a la canción, usando su interpretación y entrega para añadir peso y emoción. Pueden surfear, elevarse y desesperarse. Son juguetones y cálidos, técnicos pero sueltos. Son una parte importante del canon musical y merecen la atención de todos los aficionados al jazz. Aquí hay 10.

Billie Holiday: Lady In Satin

El último álbum de Billie Holiday que salió a la venta durante su vida, Lady In Satin (1958) tuvo una recepción mixta en su lanzamiento inicial. La voz de Holiday había cambiado y se había marchitado, los años de adicción al alcohol/drogas y las relaciones abusivas haciendo su parte en su mente y cuerpo. Pero hay una ternura exuberante en estas canciones. Los arreglos con Ray Ellis y su orquesta son magníficos en este conjunto de canciones que nunca antes había grabado. El abridor del álbum es desgarrador con la letra: «Soy un tonto por quererte / Soy un tonto por quererte / por querer un amor que no puede ser verdadero / un amor que está ahí para los demás también.» Holiday siempre tuvo la habilidad de hacer que los oyentes sintieran profundamente la emoción de una canción. Escucha «I Get Along Without You Very Well» y cualquiera que alguna vez haya anhelado a un ex puede relacionarse instantáneamente con Holiday mientras canta sobre seguir adelante hasta que se acuerde de los viejos tiempos. Los temas melancólicos de amar a la persona equivocada, perder el amor o mirar hacia atrás a los amantes que se han ido hace mucho tiempo hacen de este álbum un punto de partida para los días de lluvia solos bajo una manta acogedora.

Frank Sinatra & Antônio Carlos Jobim: Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim

Porque él es Frank Sinatra, probablemente estés imaginando la imagen de Rat Pack, Las Vegas y esas películas cursis del final de la carrera. Pero los oyentes ocasionales olvidan que Sinatra también era un artista que se preocupaba por las canciones, su sonido y cómo las cantaba. Cuando la bossa nova (una fusión suave entre jazz y samba) se convirtió en una locura en los años 60, no sólo se convirtió en una moda, sino que reclutó a Antônio Carlos Jobim, un pionero del género, en una sincera colaboración que dio como resultado Francis Albert Sinatra y Antônio Carlos Jobim (1967), un álbum nominado a los Grammy. En un conjunto de composiciones, en su mayoría de Jobim, Sinatra nunca ha sonado tan suave y suave; sus interpretaciones y entrega te golpean en el estómago con significado y una tranquila emoción. El estándar de bossa requerido «La chica de Ipanema» es decidido y aireado. La orquesta ronronea y la guitarra de Jobim se calla. Otros favoritos incluyen su versión de «Corcovado» llamada «Quiet Nights of Quiet Stars» aquí y «Once I Loved (O Amor em Paz)». A través de delicados instrumentos y ocasionales coros de Jobim, Sinatra es a la vez sofisticado y sensible, relajado y tierno.

Betty Carter: Betty Carter

Reeditada en CD bajo el nombre At the Village Vanguard a principios de los 90, Betty Carter (1970) fue el primer lanzamiento en vivo de Betty Carter (gracias al maestro de un anterior set en vivo que fue robado). Tiene la ventaja sobre el otro set (que fue lanzado en 1975 como Finally) por la forma en que lo mezcla con el público, dando una cruda inmediatez a su característico fraseo de improvisación y scatting, haciendo que parezca que estás en el público. Carter era una fuerza creativa: pintaba obras maestras con palabras, las doblaba y retorcía a voluntad y no tenía miedo de subir o bajar el ritmo a mitad de la canción, desafiando a los músicos a seguir el ritmo o a salir. El álbum se abre con «By The Bend Of The River» y ella lo evalúa con los oyentes en su co-penetrado «Ego». Descompone números familiares de Rodgers, Hammerstein y Hart y los transforma en sus propias creaciones, tanto de combustión lenta como de explosión. Un innovador de jazz, este álbum es un gran ejemplo de cómo Carter flexiona y afina su arte. No hay reediciones de vinilo desde 1970, así que vaya a excavar cajas.

Jon Hendricks: A Good Git-Together

Jon Hendricks inicialmente se hizo un nombre como un tercio del grupo vocal de gran influencia Lambert, Hendricks y Ross, conocido por popularizar el vocales donde las palabras se cantan a instrumentos conocidos, incluso a solos previamente improvisados. Hendricks, un hábil cantante y letrista, a menudo usaba palabras para contar historias inteligentes o simplemente describía verbalmente cómo se sentía el solo, un Shel Silverstein mordaz si así lo deseaba. En su primer álbum de estudio en solitario, A Good Git-Together (1959), Hendricks se une a Pony Poindexter (alto-sax), Wes y Monk Montgomery (guitarra y bajo), un Cannonball originalmente no acreditado y Nat Adderley (alto-sax y corneta), entre otros. El resultado es como una gran fiesta con algunas canciones de Hendricks, como la canción que da título al grupo de músicos que tocan juntos, «Minor Catastrophe» (Catástrofe menor), llena de escándalos y versiones vocales sorprendentemente sencillas de los estándares «Social Call» (Llamada social) y «Out of the Past» (Fuera del pasado). Con vocalese y scat en todas partes, además de los grandes solos de Montgomery y Poindexter, A Good Git-Together vale la pena seguir su rastro.

Sarah Vaughan and Her Trio: At Mister Kelly’s

Sarah Vaughan tenía una de esas voces que quieres oír todo el día. Podría llegar a los niveles de barítono femenino y a los de soprano. Vaughan cuenta con el apoyo de un trío (Jimmy Jones, piano, Richard Davis, bajo, Roy Haynes, batería) en este íntimo set en vivo de 1957 At Mister Kelly’s, grabado en un club de jazz de Chicago. Ella arde en números y baladas de medio tiempo. Se ríe con el público mientras los músicos elaboran la clave de «Willow Weep For Me» y luego improvisa líneas hacia el final después de que alguien golpea algo. Pero todos están tan relajados que no importa y siguen adelante. Las cosas se aceleran en «Just One of Those Things», juguetona en «Honeysuckle Rose» y desgarradora en «Just A Gigolo». Mi favorito personal es más cerca «How High The Moon» en el que las letras de las canciones se van por la ventana con líneas como «Ella Fitzgerald canta esta canción realmente loca… así es como ella la canta, así que voy a tratar de cantarla de esa manera para ti». Es exactamente como debería sonar una noche en un pequeño club de jazz.

Jimmy Scott: The Source

Jimmy Scott cantó en un rango alto de tenor/alto (debido al Síndrome de Kallmann que impedía que su voz madurara) que exprimía cada pizca de tristeza y anhelo de cada sílaba. Comenzó su carrera con la banda de Lionel Hampton en los años 40 antes de firmar con Herman Lubinsky, quien injustamente lo mantuvo con un contrato de por vida y resultó en dos álbumes para otros sellos (Falling In Love Is Wonderful (1963) y The Source en 1970). Un Scott desanimado eventualmente se retiró del negocio de la música por completo antes de disfrutar de un renacimiento a principios de los’90 (Fire Walk With Me soundtrack, ¿alguien?). Reeditada en vinilo en 2015, The Source está en el lado de la canción de antorcha del jazz, con cuerdas lentas de orquesta abstracta, hecha aún más lenta por Scott, a quien le gustaba aferrarse a las notas como si su vida dependiera de ello: su voz cautivadora penetra en su alma. Tiene versiones de «On Broadway», «Unchained Melody» y «Sometimes I Feel Like A Motherless Child» que te romperán el corazón. Acompañado por músicos como Ron Carter (bajo) y Junior Mance (piano), The Source es una obra maestra subestimada.

Mark Murphy: Midnight Mood

Si cerraras los ojos y te imaginaras cómo debe sonar un cantante de jazz masculino de moda, tu mente estaría invariablemente escuchando a Mark Murphy. El hombre rezumaba frescura y tenía el talento para respaldarlo. Un artista prolífico, comenzó su carrera a finales de los años 50, grabando álbumes en los EE.UU. y Europa en el siglo 21 que cubrían estándares pop, swing, blues, bop, vocalese y poesía jazz. Murphy grabó Midnight Mood (1968) a finales del’67 en Alemania con un octeto de una de las grandes bandas internacionales de jazz, la Kenny Clarke/Francy Boland Big Band. Abriendo a capella en la melodía «Jump for Joy» de Duke Ellington/Ben Webster, Murphy tiene la confianza de declararse digno de escuchar sin acompañamiento, pero luego la banda salta y se vuelve loco de remate. El álbum progresa desde la ligereza de la noche hasta la más oscura mirada nocturna sobre la bebida, como el original de Murphy «Hopeless» y su profunda visión de «I get along without you very well». Midnight Mood es un álbum de transición para Murphy, que se aleja de sus comienzos como cantante tradicional y pasa a una variación más rítmica, estableciendo un estilo propio.

Dinah Washington: Dinah Jams

Probablemente más conocida ahora por sus suaves estándares de pop/jazz, como en su clásico What A Diff’rence A Day Makes! (1959), Dinah Washington se sentía cómoda con el jump, el blues, el R&B, el pop y el jazz; su voz bluesista se ajustaba a cualquier estilo que quisiera. El jazz suave está muy bien, pero si quieres escuchar a Washington traer el calor, Dinah Jams (1955) es el álbum para ti. Grabado en el verano del’54, Dinah Jams ve a Washington tocando frente a una audiencia en vivo en Los Ángeles con un fantástico grupo de músicos incluyendo Clifford Brown (trompeta), Clark Terry (trompeta), y Max Roach (batería), entre otros. Se trata básicamente de una jam session de un álbum que se abre con una versión de casi 10 minutos de «Lover Come Back To Me» y luego se mueve a través de una mezcla de «Alone Together», «Summertime» y «Come Rain or Come Shine». El punto culminante del álbum tiene que ser el más cercano, «You Go To My Head», que se abre como una balada tradicional, pero luego el tempo se retoma en una sección instrumental extendida antes de que Washington vuelva a entrar para poner el final. Fuego puro.

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman

Es difícil imaginar a John Coltrane como un acompañante de apoyo a un cantante y eso es porque en realidad sólo hay un álbum en el que colaboró con uno, John Coltrane y Johnny Hartman (1963). Coltrane estaba recibiendo malas críticas por sus experimentaciones en el jazz modal y libre y se le sugirió que grabara con un cantante. Johnny Hartman era un baladista poco apreciado, que había cantado en las bandas de Earl Hines y Dizzy Gillespie, y cantaba como si su voz estuviera hecha de mantequilla rica y profunda, pero nunca se había introducido en la corriente principal como artista solista. El suave barítono de Hartman, un bajo atenuado (Jimmy Garrison), tambores ligeramente cepillados (Elvin Jones), un piano sensible (McCoy Tyner) y un saxo tenor sobrio de Coltrane nos llevan a un viaje de la chispa y devoción inicial del amor («They Say It’s Wonderful» y «My One and Only Love») a través de la desilusión («Lush Life») y la eventual nostalgia («Autumn Serenade»). Uniendo a dos maestros, Coltrane es asombroso en su habilidad de expresar los mismos sentimientos de anhelo con su saxo como Hartman puede hacerlo sin esfuerzo con sus letras.

Anita O’Day: Anita Sings the Most

Cuando alguien pregunta por cantantes de jazz con agallas, sólo pienso en Anita O’Day. Con una gran personalidad y una excentricidad extraordinaria, O’Day redefinió la imagen de lo que debería ser una cantante de jazz femenina. En la era de las big band, se resistió a la tendencia de los vestidos de noche y usó chaquetas y faldas. Bailó, improvisó y desafió a los músicos a seguirle el ritmo en lugar de quedarse ahí parada y seguir la melodía. Su falta de voluntad para conformarse y sus adicciones significaron que no se abrió camino como estrella del pop, pero el mundo del jazz la abrazó en los años’50 y’60. Anita Sings the Most (alias Anita Sings for Oscar) es un primer álbum de Verve lanzado en 1957 y es uno de sus mejores. Con el apoyo del Cuarteto Oscar Peterson, las voces ahumadas de O’Day oscilan entre los números rápidos y la balada experta. Peterson al piano es una ráfaga de apertura «‘S Wonderful / They Can’t Take That Away From Me’ y especialmente en «Them There Eyes», pero O’Day se mantiene alegremente al día con su fácil estilo scat. O’Day puede haber aprendido a afirmarse en la gran banda, pero su fraseología realmente brilla cuando está respaldada por pequeños combos de jazz.

RebajasTop Ventas Nº. 4
Top Ventas Nº. 15
RebajasTop Ventas Nº. 16
Paco y la música africana. Libro musical (Libros con sonido)
44 Opiniones

Última actualización el 2020-06-02 / Enlaces de afiliados / Imágenes de la API para Afiliados