los mejores albumes de jazz moderno

Los mejores álbumes de Jazz moderno

¿Cuáles son los 10 mejores álbumes de jazz moderno?

Al hacer nuestra investigación, reunimos una larga lista de proyectos de los últimos 10 años más o menos. Eventualmente escogimos discos que de otra manera nos gustarían o respetaríamos, dejándolos a un lado para álbumes que realmente merecen un lugar en esa lista. Estas selecciones no sólo muestran lo mejor que el jazz ha ofrecido en la última década, sino que muestran exactamente lo vivo y lo bien que el jazz ha estado y sigue estando, sin importar la cobertura que usted pueda ver para estos artistas. No verás que muchos de estos actos aparecen en los titulares de tus sitios de música favoritos, pero están obteniendo su brillo a su manera, ya sea a través de la aclamación de la crítica o, en un caso muy específico, un maldito premio Pulitzer.

Vijay Iyer Trio: Accelerando

Accelerando by Vijay Iyer Trio (2012-03-13)
  • Accelerando by Vijay Iyer Trio (2012-03-13)

Restringir una selección del pianista neoyorquino Vijay Iyer y su trío no fue exactamente fácil, porque tienen varios discos asesinos a su nombre. Pero Accelerando también gana inmediatamente por las dos pistas que estos chicos eligieron cubrir: «Human Nature» de Michael Jackson (una de mis canciones favoritas) y «MmmHmm» de Flying Lotus. A pesar de que la versión en vinilo de Accelerando es ligeramente diferente (y más corta) que la versión digital, todavía nos encantan estas portadas y, hombre, son siempre gloriosas. La segunda mitad de «Human Nature» es particularmente épica, con Iyer, el bajista Stephen Crump y el baterista Marcus Gilmore tocando la melodía. Y luego está la selección de melodías originales, incluyendo el ahumado «Optimismo» y la amenazante canción del título.

Este tipo de interacción no ocurre por sí sola, sino que requiere años de dedicación por parte de un grupo. El trío aquí está en la cima de su juego y presenta un álbum tan enfocado y entretenido que es difícil encontrar cualquier defecto. Su musicalidad recuerda al Bill Evans Trio, donde no hay ningún instrumento melódico principal. Todos ellos se turnan para agregar algo a la conversación, a menudo en solitario simultáneamente. Marcus Gilmore es especialmente entretenido de escuchar. Tiene una forma de rendir homenaje a las técnicas clásicas de la batería y de impulsar nuevas formas de expresión. Su abuelo, Roy Haynes, fue el creador de muchos fundamentos de batería, así que no es de extrañar que Gilmore esté creando ideas para la próxima generación de bateristas.

Jason Moran: All Rise: A Joyful Elegy For Fats Waller

All Rise: A Joyful Elegy For Fats Waller by Jason Moran (2014-10-09)
1 Opiniones
All Rise: A Joyful Elegy For Fats Waller by Jason Moran (2014-10-09)
  • All Rise: A Joyful Elegy For Fats Waller by Jason Moran (2014-10-09)

Si alguna vez te has preguntado cómo suena exactamente «alegría», entonces necesitas escuchar el viaje del pianista Jason Moran a través del catálogo de Fats Waller en All Rise. Lo que comenzó como (lo que suena como) un increíble show en vivo dedicado al jazzista más grande de la vida, transformado en una grabación igualmente cautivadora, repleta de vida, alma y felicidad. Incluso los momentos más meditativos, como los trozos de «Fats Elegy» y «Jitterbug Waltz», son momentos embriagadores de #feels. En otro lugar, te harás adicto al gancho de «Ain’t Misbehavin'» y al funk de «The Joint Is Jumpin'». Waller fue una de las personalidades más grandes que el mundo de la música ha visto jamás, y Moran y su elenco de actores (incluyendo a la cantante Meshell Ndegeocello) van más allá de hacer la justicia material de la fuente.

El jazz es una marca registrada desde hace mucho tiempo por su reimaginación de las canciones populares como vehículos para la improvisación en solitario. Esta práctica se lleva un paso más allá en este proyecto, donde el tema de la imitación es el pionero del piano de jazz Fats Waller. En lugar de una simple réplica de nota por nota, arreglo o sensación, Moran actualiza y da su propio giro a estos temas. En colaboración con el gran Meshell Ndegeocello, Moran empuja esta selección hacia una conglomeración de jazz y hip-hop. Cada tema suena tan fresco y moderno que es difícil creer que las melodías principales fueron escritas en la primera mitad del siglo XX. El piano que se toca en este álbum celebra el estilo de Waller al mismo tiempo que muestra su relación con un enfoque moderno del piano de jazz. All Rise es un álbum que empuja a los géneros y que merece la atención inherente a una sesión de escucha de vinilo.

Kamasi Washington: The Epic

¿Por dónde empiezo con la increíble e increíble obra de Kamasi Washington, The Epic? ¿Debería hablar de cómo es realmente uno de los álbumes más épicos que jamás hayas escuchado, con un peso de tres LPs y casi tres (!) horas de duración? O tal vez podría poética sobre cómo ha hecho que el jazz se enfríe de nuevo y reintrodujera el género a un grupo de niños que lo asociaron con todo lo que en el mundo se podría considerar no cool? ¿O qué tal si hablo de las colaboraciones de Washington con gatos como Kendrick Lamar, que por asociación hacen que escuchar The Epic sea una actividad aún mejor? Espera, acabo de hacer todo eso, ¿no? Sí, si estás remotamente interesado en el jazz, espero que hayas escuchado este álbum. Si no, y si estás nervioso por escuchar algo tan largo, mira la versión de su banda del estándar de jazz «Cherokee». Inmediatamente querrá oír el resto.

Andrew resumió por qué querrías escuchar este álbum musicalmente, así que voy a hablar de por qué el vinilo es el medio perfecto para ello. El envase es precioso, con su cubierta en blanco y negro de Kamasi de pie frente a la tierra y la luna. Esto es parte de un hermoso mural llamado «El Elixir» por el artista Patrick Henry Johnson. Cada uno de los tres discos viene en su propia manga de color con músicos listados para cada tema (lo cual es clave cuando hay un coro y un conjunto de cuerdas a lo largo del álbum). La música en sí misma se siente como si hubiera sido creada para el vinilo. Es denso, épico, dinámicamente expansivo y virtuoso, que son todas las cosas que parecen ser realzadas por el vinilo. Es la combinación perfecta de música increíble con un magnífico packaging. Definitivamente una necesidad.

Brian Blade and The Fellowship Band: Landmarks

Ryan clavó totalmente su opinión sobre Landmarks a continuación, entrando en la forma en que este álbum de Brian Blade y The Fellowship Band de 2014 es «todo sobre la moderación». Porque nada de lo que hay aquí se siente grandioso por el bien de la grandiosidad. Es majestuoso sin ser abrumador, como ver No Country For Old Men sin la depresión. Quizás me atraiga demasiado el arte de la portada, ¿puedes culparme? pero este disco suena como la banda sonora de un viaje por carretera que estás haciendo en lugares que nunca antes habías visto. Pero volviendo al tema de la moderación, es exactamente esa cualidad la que hace de Landmarks una experiencia auditiva tan fenomenal. Está estrechamente construido y nunca demasiado florido, sólo un álbum asesino reforzado por algunos jugadores verdaderamente dotados.

Este álbum trata sobre la moderación. Los músicos de esta banda son unos monstruos absolutos que podrían golpearte en la cabeza con la música más intensa y complicada que se pueda imaginar, pero no lo hacen. Se retienen, dejando que cada nota y el resto cuelgue en el aire. Nada es superfluo, todo está en su sitio. Esto no quiere decir que esto sea aburrido por cualquier parte de la imaginación. Esta restricción te deja absolutamente atónito cuando los músicos entran y salen o cuando la dinámica cambia repentinamente (escucha los tambores en «Ark.La.Tex»). Con tantos músicos tratando de mostrar sus habilidades en estos días, es refrescante escuchar a un grupo que simplemente se sienta y deja que la música hable por sí misma. Brian Blade es uno de los bateristas más entretenidos y músicos modernos para experimentar (ya sea en vinilo, MP3 o en concierto). Este álbum, sin embargo, con sus giros, vueltas y rango dinámico está hecho para ser escuchado en vinilo.

Henry Threadgill Zooid: In For A Penny, In For A Pound

La música de vanguardia no es para todo el mundo, y cualquiera que argumente lo contrario es una mierda pretenciosa o está completamente loco (¡o ambas cosas!). En cualquier caso, es mi opinión que vale la pena vivir la vida cuando eres capaz de desafiarte a ti mismo y, sí, eso vale cuando estás escuchando música. Eso me lleva a In For A Penny, In For A Pound, el álbum ganador del Premio Pulitzer de Henry Threadgill y su banda Zooid. Si consideras que esto es fácil de escuchar, entonces me quito el sombrero ante ti, porque estás viviendo en un plano completamente diferente. Dicho esto, los más de 70 minutos de música en esta cosa no son tan difíciles que te golpean en la cabeza con ruido o meandros obtusos. Están pasando muchas cosas en In For A Penny, y mentiría si te dijera que entendí exactamente lo que Threadgill estaba tratando de transmitir. Pero para mí, es otra oportunidad para aprender y empezar a comprender todo este asunto del jazz de vanguardia. Le dejaré las palabras inteligentes sobre esto a Ryan. Bueno, está bien, puedo decir una cosa con confianza: El trabajo de guitarra sobre «Ceroepic (Para batería y percusión)» es hipnotizante.

Esta suite está dividida en movimientos que resaltan cada instrumento, lo que, si se hace de forma incorrecta, podría dar lugar a un álbum desarticulado. Obviamente, dado que In For A Penny, In For A Pound tiene un lugar en esta lista, ese no es el caso. Dentro de cada movimiento hay múltiples temas, variaciones y solos. Las interacciones entre todos los instrumentos son las que hacen que este álbum sea muy agradable. El material escrito divide los ritmos complicados y las líneas melódicas entre los músicos, lo que resulta en un efecto de ping-pong que hace vibrar. Esto le da al solista mucho con que trabajar sonoramente. Están pasando muchas cosas a la vez, pero nunca suena demasiado lleno. Todos los músicos saben cuándo sentarse (a veces no se oye a uno de ellos durante unos minutos). Para que esta música suene tan fluida debe haber tomado muchas horas de ensayo, sin mencionar la previsión y la destreza mental que llevó a escribirla. Threadgill se merecía absolutamente el Pulitzer por este proyecto y es genial ver que después de muchos años de producir una gran música, está siendo reconocido por ello.

Mary Halvorson: Meltframe

Meltframe by Mary Halvorson (2015-08-03)
  • Meltframe by Mary Halvorson (2015-08-03)

Si has leído nuestras otras listas de jazz, puede que hayas estado esperando para leer la línea, «Muy bien, todos, vamos a ponernos raros». Bueno, eso es exactamente lo que estamos haciendo con Meltframe, el álbum de portadas de 2015 del guitarrista y compositor de jazz de vanguardia Mary Halvorson. Es su primer disco como solista y, déjame decirte, se rompe totalmente (cuando es necesario). Escuchar una grabación en la que sólo se toca la guitarra puede ser un poco difícil de digerir al principio, y entiendo perfectamente que no será para todos. Pero créeme cuando te digo que hay algo catártico en este disco cuando le das el tiempo que se merece. No importa cuánto tiempo te lleve entrar en ella, simplemente no puedes negar algunos cortes aquí. Esto es especialmente cierto en su interpretación de «Cascades» de Oliver Nelson, que abre Meltframe con pura bondad distorsionada. Y su versión de «Aisha» de McCoy Tyner (de John Coltrane’s Ole), que es un piso recto.

Mary Halvorson es una de las guitarristas más solicitadas en la escena actual y este álbum muestra por qué. Grabar un disco en solitario es complicado, porque necesitas asegurarte de que siempre sea interesante y cambiante. A lo largo de Meltframe, Halvorson trabaja con texturas, dinámicas, tempos y estilos para mantener al oyente ocupado. Su trabajo va más allá de la creatividad. Ella afina y desafina las cuerdas durante la melodía de «Sadness», todo mientras compacta por debajo. Ella usa efectos cerca del final del «Cheshire Hotel» para doblar los tonos mientras rasguea maravillosamente. Mary es capaz de tocar múltiples ideas simultáneamente mientras utiliza la tensión creada para crear un álbum entretenido que no envejece después de escuchar repetidamente. Su trabajo en grupos es asombroso, pero es especialmente bueno escucharla estirarse por su cuenta.

Cécile McLorin Salvant: For One to Love

Me doy cuenta de que decir que Cécile McLorin Salvant usa su voz como un instrumento no es una declaración original y grandiosa. Pero es la verdad, maldita sea, y es por eso que tantos otros han descrito sus impresionantes habilidades vocales como tales. Mientras que tu jugador favorito esgrime su[insertar cualquier instrumento físico] como una deidad, lo mismo puede decirse de Salvant. Sus melodías originales y las versiones de los clásicos del ganador del Grammy For One to Love sólo pueden ser escuchadas como «straight-ahead» en el sentido más convencional, lo que significa que no son necesariamente difíciles. Pero Salvant y su banda, que dan nueva vida a temas como «Wives and Lovers» de Burt Bacharach y «The Trolley Song» de St. Louis (que antes conocía sobre todo a través de una broma de «Simpsons»), los presentan con gran belleza. Sus composiciones originales son igualmente potentes, en parte porque las lleva con una fuerza y presentación similares. Hace de For One to Love un, bueno, encantador disco para escuchar especialmente con tu bebida favorita (ya sea café, vino o bourbon) y, sí, la persona adecuada a tu lado.

La voz de Cécile McLorin Salvant salta y se desliza de las maneras más gloriosas e inesperadas. Desde el primer tema, «Fog», nos deleitamos con técnicas que sólo unos pocos vocalistas pueden aplicar (como por ejemplo cómo canta la frase «Sometimes, I try to recall» cerca del comienzo del tema). Un rasgo distintivo de un gran instrumentista (especialmente un vocalista) es su nivel de convicción. Las notas o letras fluyen directamente del músico desde lo más profundo de su ser. Salvant emula cada frase con tanta honestidad que saltan de los altavoces. El trío de pianos de acompañamiento también es estelar. Desempeñan un papel de apoyo perfecto para Salvant, y sería fácil hacer caso omiso de su juego, lo que sería un error». Puntúan las líneas de la melodía así como el groove a través de algunos sólidamente en el bolsillo que juega a lo largo de este álbum.

Esperanza Spalding: Emily’s D+Evolution

Desde el primer momento, D+Evolution de Emily reivindica un trabajo trascendente e innovador que mezcla el jazz, el funk, el prog-rock y otros géneros con tal facilidad que ni siquiera es justo. Como Ryan señala más abajo, la multitalentosa Esperanza Spalding (conocida anteriormente por sus impresionantes talentos vocales y de bajo) va a todas partes y regresa a este proyecto con sólo un trío (y un grupo de cantantes invitados) tocando en cada tema. Ahora, esos jugadores rotan, pero en realidad están a bordo para hacer lo suyo mientras Spalding marca el camino, cantando como una mujer poseída y rockeando el infierno con cualquier instrumento que tenga en sus manos. Hay un peso en muchos temas de D+Evolution de Emily que requeriría, como, 30 párrafos más para explicar, pero eso es exactamente por lo que necesitas escuchar este proyecto. Además, el abrelatas «Good Lava» es una roca recta.

Es difícil de creer que en este disco sólo haya un trío (junto con vocalistas de fondo). Los arreglos, las orquestaciones, las composiciones y la música son tan densos y bien elaborados que siempre hay algo nuevo y emocionante que escuchar, incluso después de varias escuchas. La música se mueve constantemente, cambia y te atrae. Hay algo oscuro y siniestro en esta selección de melodías también, pero es difícil determinar su origen. El ambiente general de este álbum se presta perfectamente para encender el tocadiscos y sentarse. Es fácil escuchar por qué Esperanza Spalding es un maestro mientras escucha la línea de bajo en «Judas» y su interacción con la línea vocal. Además, el ritmo de «Funk the Fear» está sucio.

Allison Miller: Otis Was a Polar Bear

Otis Was a Polar Bear by Allison - Boom Ti Miller
  • Otis Was a Polar Bear by Allison - Boom Ti Miller

Hay un sentimiento inherente de ligereza y euforia corriendo por las venas musicales de Otis Was a Polar Bear, un álbum dedicado a la hija del baterista/líder de la banda Allison Miller. Con sus jugadores de Boom Tic Boom a su lado, Miller salta de cabeza hacia una variedad de sonidos mientras mantiene un enfoque singular. Es un álbum de exploración juvenil que se transmite en el júbilo de los jugadores, incluyendo el estelar tema de apertura y sus movimientos («Fuster»), el juguetón «Staten Island» y el terriblemente titulado «Pig in a Sidecar». Tal vez sólo esté en mi cabeza, pero puedo ver totalmente a un oso polar llamado Otis moviéndose a través de varios paisajes mientras escucho esto. Pocos álbumes que he escuchado en los últimos años han inspirado ese estilo de imaginación.

Las orquestaciones creativas y las melodías pegadizas dominan este álbum y, como oyente, nunca estás seguro de lo que vendrá después. La batería de Miller es particularmente impresionante. Juega con una sensación de relajación al mismo tiempo que realiza patrones complicados. En muchos de los temas, incluso utiliza su batería como instrumento melódico y cordal! Además de eso, sus chuletas de composición son puntiagudas (escuche todas las diferentes partes de «Fuster» y lo bien que fluyen una dentro de otra). Montó una banda increíble para darle vida a sus canciones. Todos los músicos, como Miller, hacen que suene tan fácil. Transmitir una música tan interesante y compleja de una manera tan natural y orgánica es asombroso.

Nels Cline: Lovers

A menudo hermosa y ocasionalmente nudosa, Lovers es una escucha cautivadora que capta perfectamente la misión de Nels Cline. El guitarrista metamorfo, también conocido por jugar con gente como Wilco y Mike Watt, escribió que esperaba ofrecer a los oyentes «algo así como una actualización de la idea y el ideal de la’música de estado de ánimo’, al tiempo que celebraba y desafiaba nuestra noción icónica del romance». Escuchando los 18 temas de Lovers, puede ser muy sencillo escuchar pasivamente mientras continuas y dejas que las melodías se desvíen en segundo plano. Pero presta más atención y empezarás a apreciar el matiz, como el más desafiante «It Only Has to Happen Once» o su maravillosa y misteriosa portada de «Snare, Girl» de Sonic Youth. O tal vez te quedes atascado en su interpretación de «I Have Dreamed» y te preguntes por qué no has visto más musicales (nota: el original es de «The King and I»).

Los proyectos expansivos, como Lovers, son difíciles de encontrar hoy en día. Con la disminución de las ventas de álbumes y las giras de jazz a gran escala como algo del pasado, es refrescante escuchar a Nels Cline hacer este esfuerzo para revitalizar una era de jazz pasada. Con una sección de cuerdas, una sección de trompa completa e incluso un arpa (!), Cline reunió a un equipo estelar de músicos para transmitir un álbum que, al principio, suena como si se hubiera podido hacer hace 60 años. Para aquellos que están familiarizados con el trabajo de Cline, este álbum puede confundir. Es conocido por sus exploraciones de jazz libre, pero en este disco lo oímos ofrecer un jazz orquestal. Es increíble escuchar un sonido tan maestro en casa en este contexto como lo hace en el free jazz y el rock. Los arreglos, de Michael Leonhart, son hermosos, resaltando las melodías y los fondos con la perfecta elección de instrumentos. Este vinilo es perfecto para poner en el fondo de su próxima fiesta o para escuchar y diseccionar intensamente.

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Paco y la música africana. Libro musical (Libros con sonido)
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