Banda sonora Black Swan

Las mejores bandas sonoras de películas

Las mejores bandas sonoras originales de películas

La todopoderosa banda sonora es un tipo de álbum muy especial. Cuando pensamos en grandes bandas sonoras pensamos en lo bien que encaja una canción en una escena en particular o en cómo la partitura fue un componente integral de la historia, manipulando con éxito las emociones de la audiencia. Me gusta pensar que la banda sonora es la cinta de mezclas de la película. Al igual que cualquier cinta de mezclas elaborada para una persona importante, la selección de canciones revela cosas sobre el curador. En el caso de una banda sonora, son los directores de cine o el supervisor de música, y lo que el curador quiere que pienses. Las selecciones proporcionan una visión de los personajes o de la escena, más de lo que una gran cantidad de actuaciones y diálogos pueden decirte. Un taco de puntuación bien colocado le permite saber que es hora de estar asustado o nervioso. Una canción puede poner en marcha la adrenalina antes de que comience la persecución. Puede ser el remate de una escena cómica. Lo que sea que esté pasando en la pantalla, está todo ahí en la música.

Hay un montón de bandas sonoras fantásticas por ahí. Algunas bandas sonoras trascienden el medio y son las mejores de todos los tiempos sin importar el formato. También hay muchas bandas sonoras fantásticas que se pasan por alto por una razón u otra. Sin más preámbulos, aquí están las 10 mejores bandas sonoras para tener en vinilo.

Pretty in Pink

Pretty In Pink Soundtrack [Vinilo]
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En una década llena de increíbles bandas sonoras de éxito de ventas, Pretty in Pink (1986) resume a la perfección lo que muchos de nosotros más recordamos de los años 80: películas de instituto y música cool. La banda sonora cuenta con artistas como New Order, the Smiths, Orchestral Manoeuvres in the Dark (OMD), INXS, Echo & The Bunnymen, etc., un verdadero «quién es quién» de los artistas que aún se consideran entre los mejores de la música alternativa/de nueva ola. La película trata sobre una chica de la clase trabajadora, Andie, que se enamora de un tipo rico, Blane, y la consiguiente pelea entre sus amigos.

Ayudar al poder de permanencia de este álbum es lo bien que encaja la música con lo que se ve en la película. Entre ellos se encuentra «If You Leave» de OMD, un éxito en la radio y el estreno del LP, lleno de sintetizadores brillantes, letras anhelantes y un final de película memorable. Es un subidón emocional seguido de una remezcla genial de «Left of Center» de Suzanne Vega, una especie de tema para la extravagancia de Andie. El álbum se cierra con el desgarrador «Please Please Please Please Let Me Get What I Want» de The Smiths, que se escucha en la película tocando suavemente en el fondo con Duckie sentado solo en su habitación. En lugar de revivir el llamado final feliz de la película, se nos recuerda el amor no correspondido de Duckie y cómo algunas personas no siempre consiguen el final feliz que originalmente querían. De esta manera, la banda sonora no se limita a recopilar parte de la música que se escucha en la película. Es la mezcla perfecta de amor y vida y de ganar y perder.

Black Swan

Cisne negro, dirigida por Darren Aronofsky, es una película oscura y retorcida sobre Nina (interpretada a la perfección por Natalie Portman), una joven fuertemente herida a la que se le ofreció la oportunidad de ser finalmente la bailarina estrella del Lago de los Cisnes. Ya bajo un inmenso estrés de sus propias tendencias perfeccionistas y una madre sobreprotectora, el papel la lleva más allá del punto de ruptura. Clint Mansell, que ha compuesto la banda sonora de todos los largometrajes de Aronofsky, puede que no haya podido ser nominado para un Oscar por su excepcional partitura, pero si hubiera un premio para la mejor banda sonora cinematográfica adaptada, seguramente ganaría sin lugar a dudas. La película trata de una producción del Lago de los Cisnes, así que por supuesto presenta la magnífica partitura de ballet de Tchaikovsky. Mansell toma esta música y mezcla a la perfección una increíble cantidad de pistas y pasajes originales, creando algo bello y pesadillesco, familiar y original, realzando la historia de la película sobre el descenso de esta bailarina a la locura.

Superfly

Curtis Mayfield ya era una estrella establecida de su trabajo con las Impresiones, así como de su propio trabajo en solitario cuando compuso e interpretó la banda sonora de la película de 1972, Superfly. Conocida por sus letras con conciencia social, la banda sonora es un contrapunto a la trama de la película que, junto con otras películas de blaxpoitation de su tiempo, parecía glorificar el estilo de vida criminal. Dirigida por Gordon Parks (director de Shaft), la película está protagonizada por Ron O’Neal como un traficante de drogas que busca dejar el negocio después de ganar suficiente dinero para vivir el estilo de vida que quiere en la calle.

Mientras vemos cómo el personaje de O’Neal se establece como un hombre poderoso en su oficio, rico y exitoso con las damas, las letras de Mayfield desafían el atractivo del estilo de vida. Canciones como «Pusherman» hablan de cómo los narcotraficantes oprimen a los que dependen de ellos. La canción «Freddie’s Dead» cuenta la historia de Freddie, un adicto empujado a negociar para pagar sus deudas. La mayoría de las versiones instrumentales de estas canciones se escuchan en la película, por lo que el impacto lírico no se escucha realmente hasta que se toca el álbum. Terminando en el fabuloso «Superfly» voltearás rápidamente el disco para empezar de nuevo.

Saturday Night Fever

La banda sonora de Saturday Night Fever se convirtió en platino sólo dos meses después de su lanzamiento en 1977, permaneció en las listas de éxitos durante dos años, es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos y fue la primera banda sonora en ganar un Grammy por Álbum del Año. Así que sí, el álbum era un monstruo cuando fue lanzado. Seis sencillos de la banda sonora también encabezaron las listas de éxitos, lo que hace que la música sea ineludible.

No se puede negar el genio del pop de los Bee Gees con canciones de éxito como «Stayin'». «Vivo», «Cuán profundo es tu amor», «Fiebre nocturna», «Más que una mujer» y «Deberías estar bailando». En ese momento eran una banda en flujo, su sonido apenas comenzaba a evolucionar hacia el disco/pop y fue un momento perfecto cuando se les pidió que contribuyeran canciones a la película. También escribieron el tema de Yvonne Elliman, «If I Can’t Have You», otro éxito. La película es un cuento sobre Tony (John Travolta), un joven de Brooklyn que desprecia su trabajo, vive con sus padres y sólo brilla cuando él y sus amigos van a una discoteca los sábados por la noche, donde él es el rey de la pista de baile. La música simboliza el brillo y el brillo de la vida mejor que Tony quiere y es un verdadero pandillero. De las notas de apertura del libro «Stayin'» de los Bee Gees Vivo» a los más de 10 minutos de la épica «Disco Inferno» de los Trammps, estarás ansioso por tener una pareja, ir a la pista de baile y quemar a la madre.

Tron: Legacy

Daft Punk y Tron. Es una combinación hecha en el cielo. Tron: Legacy (2010) es una continuación de Tron de 1982, continuando la historia de Kevin Flynn quien, después de haber sido descargado en la computadora central de su antiguo empleador, descubre que los programas de computadora existen como seres vivos en el ciberespacio. En la secuela, descubrimos que Flynn desapareció varios años después de los acontecimientos de Tron, y su hijo Sam se ve obligado a investigar un extraño mensaje, encontrándose transportado a un mundo virtual creado por su padre.

La versión en vinilo es impresionante por dos razones: 1) es la maldita TRON y 2) obtienes siete bonus tracks que eran exclusivos de diferentes minoristas y/o versiones de CD de la partitura. Así que obtienes la puntuación y estos bonus tracks en un solo paquete físico. Es una verdadera banda sonora cinematográfica, llena de temas heroicos y oscuros. Daft Punk se desafió a sí mismo combinando elementos orquestales y electrónicos, la orquesta destacando la grandeza del mundo de la realidad virtual de la película y la electrónica que nos recuerda la tecnología involucrada. Escuchar este disco por sí solo es como viajar a través de un mundo ambiental lleno de paisajes luminosos y un abismo palpitante y no querrás volver.

The Mack

La banda sonora de Mack fue lanzada en 1973 en Motown Records. Fue compuesta e interpretada por Willie Hutch, quien hasta ese momento había hecho algunos trabajos en solitario para otro sello antes de mudarse a Motown, donde escribió y co-escribió canciones para artistas como Jackson 5, Marvin Gaye y otros antes de lanzar sus propios álbumes para Motown. La película co-protagonizada por Max Julien, Richard Pryor y Roger Mosley (T.C. de Magnum P.I.) y mientras que la película sufre de un guión desigual, es elevada por la banda sonora de Hutch, que sigue siendo una magnífica colección de números de soul y R&B.

El LP comienza fuerte con «Vampin» y «Theme of the Mack», montando la historia de un estafador recientemente liberado que se propone convertirse en el chulo más grande y malo de la ciudad. Como artista de Motown, Hutch le da al álbum ese sonido característico de los’70s Motown con algunos ritmos agradables y voces suaves. Hutch entonces se ralentiza con «I Choose You», un sensual número de R&B (que se convertiría en la base del seminal «Intl Players Anthem» de UGK y Outkast). Los temas de Side 2 como «Slick» y «Brother’s Gonna Work It Out» fueron éxitos en las listas de éxitos de R&B de la época, siendo este último sampleado y cubierto por muchos artistas como Public Enemy, The Chemical Brothers, y Chance the Rapper, y es un álbum más cercano. En el panteón de las películas de blaxploitation de los 70, The Mack puede que no sea tan recordado, pero su banda sonora merece serlo.

City of God

Ciudad de Dios es un drama criminal de 2002 sobre hombres jóvenes que crecieron en el suburbio de la Ciudad de Dios de Río de Janeiro, contado principalmente desde el punto de vista de Rocket, un aspirante a fotógrafo que vive en la favela pero no quiere la vida criminal. Está ambientada entre los años 60 y principios de los 80, mostrando el crecimiento de las bandas de narcotraficantes en las favelas de Río, sin acobardarse ni glorificar la violencia de la vida representada. Nominada y ganadora de numerosos premios cinematográficos, es una de las películas de gángsters más impactantes de los últimos 15 años.

Junto a la música original compuesta e interpretada por Antônio Pinto y Ed Côrtez están la samba brasileña, el funk y las melodías psicodélicas, que nos llevan a través de las diferentes épocas de la película. La samba más tradicional está representada con canciones del artista Cartola y «Nem vem que não tem» de Wilson Simonal. En los años 70 la samba tiene más influencias funk en temas como «Na rua, na chura, na fazenda» de Hyldon, «Metamorfose Ambulante» de Raul Seixas y «No caminho do bem» de Tim Maia. Pinto y Côrtez toman estas influencias y las oscurecen para sus piezas a lo largo de la película. La música es visceral y lleva al espectador al mundo de Rocket, donde la corrupción está en todas partes y hay que hacer concesiones para sobrevivir.

Rushmore

Rushmore (1998) es una película sobre un adolescente, Max, mientras navega y controla su mundo a través de sus muchas actividades extracurriculares, se hace amigo de un triste hombre de negocios (Bill Murray) y se enamora de la maestra de primer grado de su escuela privada (Olivia Williams). Para aquellos que no están familiarizados con las películas más antiguas de Wes Anderson, fue Rushmore, su segundo largometraje, el que primero nos mostró lo que se ha convertido en su estilo distintivo, presentando al actor Jason Schwartzman (Max) y dando nueva vida a la carrera de Bill Murray. También nos dio una de las mejores bandas sonoras de los años 90, combinando música de fantasía, folk y rock para encajar perfectamente en la historia de la película.

La música está compuesta principalmente por artistas británicos de los años 60 como Who («A Quick One While He’s Away») y Kinks («Nothing In This World Can Stop Me Worryin’ Bout Of That Girl»), así como Cat Stevens («Here Comes My Baby» y «The Wind»). El «Making Time» de The Creation, que se escucha al principio de la película, donde nos presentan a Max y a sus muchos clubes, marca una de las introducciones más memorables de personajes en la película e hizo que esta canción de garage rock, relativamente desconocida, estuviera siempre conectada con Rushmore. Mark Mothersbaugh compuso las partituras de inspiración barroca y estos caprichosos interludios sirven para resaltar las excentricidades de Max y proporcionar introspección a los personajes. Es a la vez una banda sonora muscular y sensible que combina bien con esta historia de un adolescente que se involucra a sí mismo y que crece en la virilidad y aprende a pensar en los demás.

La Planète Sauvage

La Planète Sauvage (alias Fantastic Planet), de 1973, dirigida por René Laloux, es esa extraña bestia animada que es tanto un comentario social de ciencia ficción como una película psicodélica sobre drogas. La animación utiliza ilustraciones casi de libro con un estilo de stop-motion que le dan una sensación original, de otro mundo. En el planeta Ygam viven una gigantesca especie humanoide azul llamada Draags y humanos, llamados Oms, que hace mucho tiempo habían sido traídos de la Tierra por los Draags para vivir como mascotas, algunos de ellos viviendo como animales salvajes. Después de que su madre es asesinada por el joven Draag, un niño Om es encontrado y cuidado por una joven Draag y él crece y aprende sobre la cultura y la tecnología Draag, eventualmente huyendo y pasando este conocimiento a sus compañeros Oms donde se produce una lucha por la libertad. Un estilo de animación único más una historia de fuera hacen de esta película una película impactante, pero luego añades la partitura y tienes algo completamente inolvidable.

Compuesto por Alain Goraguer, un viejo colaborador del cantante Serge Gainsbourg, la partitura se describe a menudo como Pink Floyd meets Shaft. Esta obra maestra del pop pop francés y el funk de la era espacial está llena de ritmos locos y efectos funky ‘wah wah’ y ha sido probada por muchos artistas a lo largo de los años, como DJ Shadow, J Dilla y Madlib (en The Unseen, de Quasimoto). La edición original de este álbum es altamente coleccionable y afortunadamente fue reeditado a finales de 2014, por lo que hay copias a precios más razonables.

Purple Rain

«Queridos hermanos, estamos reunidos hoy aquí para pasar por esta cosa llamada vida…» y con esa frase de apertura, comienza una de las bandas sonoras más grandes de todos los tiempos. Puedes leer más sobre lo que dijimos sobre la muerte de Prince, así que me centraré en la música. Purple Rain se estrenó en 1984, protagonizada por Prince en su debut cinematográfico. Fue un éxito rotundo ese verano, generó sencillos que encabezaron las listas de éxitos de todo el mundo y vendió millones de copias, convirtiéndose en una de las bandas sonoras más vendidas de todos los tiempos. Ganó dos premios Grammy y un Oscar a la Mejor Canción Original, la última vez que se le otorgó ese premio.

Purple Rain fue el sexto álbum de Prince después de su éxito en 1999. Era bastante conocido por el público de R&B, pero Purple Rain fue su álbum crossover, el que demostró al mundo que era una mega estrella. Prince combinó de forma experta funk, rock, new wave y R&B, demostrando sus increíbles habilidades para desmenuzar guitarras y esa mierda sagrada que es un gran álbum. Empieza con mi favorita personal, «Let’s Go Crazy», la divertida cuerda/sintetizador de «Take Me With U», la hermosa y lenta quema de «The Beautiful Ones», el funky rockero de «Computer Blue», y el raunchy «Darling Nikki». Luego viene uno de los mejores equipos 2 de todos los tiempos: «Cuando las palomas lloran», «Moriría en 4 U», «Baby I’m A Star» y la épica más cercana, «Purple Rain».

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