la música jazz en londres

El jazz actual en Londres

No hay necesidad de esterilizar la hipérbole: La escena local de jazz de Londres está teniendo lo que se podría llamar «un momento». Somos testigos de una oleada de ingenio que bien puede cumplir los criterios de ser histórico; un auge creativo liderado por jóvenes músicos que encuentran nuevos ángulos a un género clásico que se siente fresco e imaginativo. Es la música que captura el sabor pluralista de la capital del Reino Unido. En el contexto de la Gran Bretaña de la época de Brexit y el aumento del sentimiento anti-inmigrante – marcado por los horrores del incendio de la Torre Grenfell y el escándalo de Windrush – esto no sólo es refrescante, sino también vital.

Facilitar este ascenso en el jazz londinense moderno es el espíritu de colaboración que conecta a sus estrellas. Estos virtuosos frecuentemente aparecen en los registros de los demás. Saltan juntos al escenario y se estrellan en la sala de estar del otro cuando es necesario. La química de una comunidad artística unida puede ser difícil de embotellar y casi imposible de definir. Cuando se puede transferir esa química a la cera, se siente como un pequeño milagro.

Para los recién llegados que buscan un camino hacia el jazz londinense moderno, una escucha vital es la compilación de Brownswood We Out Here, uno de los primeros lanzamientos que encapsula la magia. Aquí, nos hemos centrado en 10 de las mejores declaraciones de larga duración de bandas y artistas individuales que han salido de The Old Smoke en los últimos años. Cada uno actúa como la Muestra A de una escena jazzística ardiente, indeleble e innegable, que exige una atención global. Nadie que se conecte ahora mismo lo olvidará nunca.

Shabaka and The Ancestors: Wisdom of Elders

Busca en Londres a las figuras centrales de su nuevo renacimiento del jazz y pronto te toparás con el inquieto saxofonista y director de orquesta Shabaka Hutchings. El bohemio británico de Barbados ha hecho tanto como cualquier otra persona para definir la escena. Entre su audaz y amplia obra, la Sabiduría de los Ancianos es una de las más destacadas. Para crear el disco, Hutchings se presentó en Johannesburgo y se conectó con un grupo de músicos locales que se hicieron conocidos como The Ancestors. El resultado es un disco rico y poderoso que mezcla los tonos melódicos de Hutchings, la herencia sudafricana de la banda y las lecciones de Sun Ra. Descrito como «un salmo en nueve partes», estas son composiciones que suenan como el lado condenado de la espiritualidad. Los cantos vocales desgastados se asemejan a antiguos mantras o trágicas procesiones funerarias. Sin embargo, el saxo de Hutchings es relajado y delicioso en canciones como «Joyous». Mientras tanto, «Give Thanks» cuenta con el apoyo de los centelleantes tambores de Tumi Mogorosi y poco más, ofreciendo un espacio claro para los Hutchings y para respirar fuego al rojo vivo a través de su instrumento de elección.

Yussef Kamaal: Black Focus

Probablemente encontrará Black Focus en la sección de jazz de su tienda de discos local. Sin duda, esto es jazz – los instrumentos de Yussef Dayes y Kamaal Williams se mueven con el espíritu del género. Pero los dos sureste de Londres mezclan los sonidos clásicos del funk, el soul, el boogie, el afrobeat y el hip-hop en un ingenioso brebaje que destila este rincón pluralista y glorioso del Reino Unido. Evocando, en particular, los sonidos clásicos del soul-jazz de Roy Ayers y Lonnie Smith, y la música moderna de estrellas de la escena de Los Ángeles como Robert Glasper y Thundercat, los arreglos son tan atemporales como una corbata flaca o un bourbon. Los tambores de Dayes realmente se rompen, mientras que las teclas elegantes de Williams se mueven libremente, ayudando a llevar las suaves melodías del álbum. La química del par se muestra mejor en la «Joint 17» más cercana. Se necesita una habilidad suprema y un frescor ilimitado para hacer que un arreglo tan fuera de serie suene tan relajado y sin esfuerzo.

Nubya Garcia: Nubya’s 5ive

En el 5ive de Nubya, el saxofonista Nubya García, nacido en Camden, sirve el néctar más suave de Londres. Por ejemplo,  «Lost Kingdoms», que se deslizan suavemente como el satén en la oreja, mientras que «Red Sun», más tradicionalista, evoca el enfoque desenfadado de Wayne Shorter. Aunque García es sin duda la estrella aquí, ella reúne a una banda de estrellas de la escena local que agregan su propio sentido del estilo al álbum. La excéntrica batería de Moses Boyd ofrece la base perfecta a lo largo del álbum, mientras que el pinchazo de piano sin fronteras de Joe Armon-Jones en «Fly Free» es una pieza energética y creciente de juego de estilo libre. «Hold» es alimentado por latón mezquino y de bajo ruido. El hecho de que la canción esté presente en dos tomas diferentes pone de relieve la dedicación del equipo a la expresión del estilo libre.

Zara McFarlane: Arise

La música de Zara McFarlane se inspira en su pasado en el este de Londres, en su herencia jamaicana y en su amplia formación musical formal, que incluye estancias en el London College of Music y en la Guildhall School of Music and Drama. Ella mostró su voz temblorosa y el sonido de un club de jazz nocturno en el gran álbum If You Knew Her, que obtuvo el premio a la mejor actuación de jazz en los Premios MOBO 2014, pero Arise es el más logrado en el catálogo de la cantante. Trabajando con el baterista y productor Moses Boyd, que comparte los antecedentes caribeños de McFarlane, el álbum explora los ritmos de Jamaica: reggae, Kumina, nyabinghi y calypso. El enfoque en la historia es evidente desde el corto tema de apertura «Ode To Kumina», inspirado en la tradición de la Kumina, una religión afrojamaicana desarrollada por trabajadores contratados en el Congo en el siglo XIX. En otros lugares, el hermoso ritmo de «Peace Begins Within» (La paz comienza dentro) subraya un himno justo de auto-empoderamiento, con el falsete agitado de McFarlane demostrando ser su instrumento más importante.

Sons of Kemet: Your Queen is a Reptile

La escena jazzística londinense suele ofrecer antisépticos relajantes a la Gran Bretaña de la época de Brexit. Liderados por ese hombre, Shabaka Hutchings, los Sons of Kemet desatan uno de los récords más comprometidos políticamente para emerger del caos. Los títulos de las canciones llaman la atención instantáneamente, cada uno de los cuales lleva el nombre de una gran e influyente mujer negra. Por ejemplo, «My Queen is Ada Eastman», está dedicada a la bisabuela de Hutchens. Cuando el vocalista invitado Joshua Idehen grita: «Quema el UKIP, que se jodan los conservadores / Que se jodan los fascistas, fin de la historia», desencadena la furia del capital multicultural que rechazó rotundamente a Brexit, pero que debe vivir con el auge del sentimiento nacionalista. Sonicamente, Your Queen is a Reptile, el tercer álbum del grupo, amplía su paleta musical. El ajetreado «My Queen is Harriet Tubman» une unas trompas bajas, unos solos animados y una percusión hiperactiva que es fácil de bailar, mientras que el estruendo «My Queen is Mamie Phipps Clark» muestra las huellas de manos de grupos de ska como The Specials.

Joe Armon-Jones: Starting Today

El tecladista Joe Armon-Jones perfeccionó su oficio como miembro de Ezra Collective y junto a su buen amigo Maxwell Owin en el EP Idiom, pero su álbum debut en solitario Starting Today ofrece una representación completa de la amplitud de las tendencias musicales de Armon-Jones. Su amor por el throwback R&B, el funk, el hip-hop y el boogie está muy metido en los ritmos del disco. Incluso las ilustraciones del álbum, creadas por la artista y amiga Divya Scialo, presentan imágenes del pad de Armon-Jones en Londres, reflejando la naturaleza personalizada de las seis canciones.

Lo más destacado incluye «Almost Went Too Far», un sedoso número que alcanza los sonidos R&B estadounidenses de los años 70 de Larry Levan, Paradise Garage y Shuggie Otis. El tema del título presenta a los apasionados cantantes del vocalista Asheber, ofreciendo una oportuna llamada a los más desfavorecidos de Londres («A partir de hoy, voy a limpiar la sangre de estas calles», canta). «A partir de hoy, difundir el amor en la comunidad»). A veces los mejores discos de debut son la amalgama de ideas – como si el creador no estuviera seguro de si alguna vez se le permitirá volver a un estudio de grabación, así que mejor que mejor para sacarle el máximo provecho. Aquí, Armon-Jones nos da todo lo que tiene.

Kamaal Williams: The Return

Quizá nunca sepamos qué causó que Yussef Kamaal se astillara de repente. Después de Black Focus, la pérdida de la pareja se sintió como un golpe devastador para la escena jazzística londinense. Cualesquiera que fueran las razones detrás de la división, Kamaal Williams se presentó rápidamente como el continuum natural para el grupo. Las ilustraciones del álbum y las fuentes de la portada de The Return coinciden con las de Black Focus, una clara muestra del legado del grupo. Más importante aún, The Return sirvió más de los surcos cósmicos que satisfacían por segunda vez. La batería es funky, el bajo está muy alto y las teclas retro-futuristas de Williams son gloriosamente sedosas. Tan pronto como los acordes lentos y las ondas de sintetizador espaciadas de «Salaam» llegan, no hace falta ser un musicólogo para decir que esto representa un rápido retorno al negocio para el londinense del sur.

Tenderlonious: The Shakedown

Tenderlonious, alias Ed Cawthorne, es un saxofonista, DJ, director de sello discográfico y figura clave en el panorama del jazz londinense. El Shakedown es el resultado de una sola sesión de ocho horas, pero con algunos de los mejores músicos de la escena en el equipo -denominado The 22archestra, que incluye a Yussef Dayes en la batería y Hamish Balfour en las teclas- es un disco funky de ritmos geniales, trabajo de flauta urbana y teclas relajadas. Aquí también hay una fuerte influencia del hip-hop: «SV Interlude» y «SV Disco» son un homenaje a Slum Village, mientras que la flauta de Tenderlonious en «Togo» se inspira en los ritmos del antiguo virtuoso de Slum J Dilla o MF DOOM.

The Shakedown, sin embargo, es un disco de jazz en su esencia. «Yussef’s Groove» comienza con tambores de conducción, y cada uno de los 22archestra entran en forma constante, utilizando plenamente su virtuosismo, cambiando entre bajos bajos, elegantes solos de piano abiertos y nebuloso piano eléctrico. Hay momentos de mayor moderación, con un ambiente estilo Bitches Brew-style que proporciona una palpable sensación de anticipación y pasión, mientras que aún conservan ese golpeteo y ese swing bajo de los 70 que hacen tan bien. The Shakedown podría haber sido cortado en el mismo tiempo que se tarda en volar de Londres a Nueva York, pero la banda está en un ritmo tan dulce que suena como si tuviera todo el tiempo del mundo.

Moses Boyd: Displaced Diaspora

Sólo puede haber un Loto Volador, pero eso no significa que Moses Boyd no pueda caber cómodamente en el carril esotérico de FlyLo. Boyd hace música electrónica enraizada en la tradición del jazz. Después de haber establecido por primera vez su inusual cometido en el lanzamiento de Absolute Zero en 2017 (una canción como «Square Up» suena burlada de un Sega Genesis hackeado), Boyd expande los límites exteriores de su sonido en Displaced Diaspora. Vea cómo el abrelatas «Rush Hour/Elegua» mezcla los cantos tradicionales africanos con la electrónica conmovedora de Boyd. Los invitados de Zara McFarlane en la balada azul de medianoche «City Nocturne». Mientras tanto, la experimentada banda Kevin Haynes Grupo Elegua presenta cuatro temas, lo que ayuda a añadir una sensación de jazz más tradicional a los cortes. Lo mejor de todo podría ser «Rye Lane Shuffle», el ajetreado brebaje de metales, solos de guitarra y baterías rápidas que captura la bulliciosa calle Peckham que le da nombre.

Camilla George: The People Could Fly

Cuando era niña, la madre de Camilla George leía a menudo sus historias de The People Could Fly, un libro de cuentos africanos impregnado del tema de la esclavitud. El fuerte sentido del espíritu humano que la artista londinense nacida en Nigeria extrajo de estas historias influye en su álbum homónimo. Este conjunto de mermeladas inmaculadamente producidas y bien organizadas tienen una sensación de frescura – ninguna va más allá de los seis minutos. Pero el sentimiento de George, pista por pista, es palpable. El sonido de las cadenas que sacuden con fuerza el saxofón de George al comienzo del triste «The Most Useful Slave». Lejos de ser una sola nota, «The People Could Fly» ofrece un lado más alegre a su arte. El álbum termina con una portada de «Here, but I’m Gone» de Curtis Mayfield, que vincula a George con los ritmos socialmente conscientes de los años 70, resucitando cuentos oportunos para el aquí y el ahora.

Última actualización el 2020-06-02 / Enlaces de afiliados / Imágenes de la API para Afiliados